Alberto Borea

Antes de que él llegue, entro a la galería y al descender me doy cuenta, como siempre, de que la Galería Y es uno de los pocos espacios de exposición subterráneos que conozco en Nueva York. Trabajar en espacios subterráneos presenta ciertos desafíos que Borea enfrentó durante su primera exposición individual con Y – “Fortalezas” – en 2010, pero el espacio actual de Orchard Street tiene un ambiente más tradicional, con su iluminación difusa y uniforme y un plano más grande. La muestra aprovecha eso, ordenándose como un museo en miniatura, poniendo énfasis en varios objetos con apariencia tradicional, a diferencia de las instalaciones anteriores del artista. Las obras parecen principalmente contrastes entre el espacio positivo y negativo en blanco y negro y se asemejan a los descubrimientos frágiles y revestidos de una excavación arqueológica. Él me llevó por la exposición y conversamos sobre sus bases.

IC: ¿Por qué elegiste este estilo especifico para la instalación?

AB: Quería básicamente...un museo de sitio antiguo, un museo peruano, un museo latinoamericano, un museo en general mundial, un museo histórico...[para] relacionar un poco la contemporaneidad o el mundo global con problemas locales, con ideas antiguas o con ideas de culturas que han estado en decadencia o que han sido exterminadas por alguna cultura dominante que ha arrasado con ellas.

IC: ¿Y cuál es la conexión con el título de la muestra - un prólogo típico para un anuncio que justifica o excusa el mal servicio para los que viajan en el metro de Nueva York?

AB: “Because of Construction” (“Debido a la Construcción”) es la excusa que escuchas y que nunca sabes si es verdad o no... esa especie de fe en un gobierno o en una entidad casi invisible. Es un poco la atmósfera que quería dar con esta muestra.

IC: Tu obra aborda normalmente el urbanismo y la obsolescencia de la tecnología. ¿Cómo se diferencia este trabajo?

AB: Nos hemos olvidado de dónde venimos, lo que nos hace ser hoy y saber lo que queremos ser. Y en ese sentido esta exhibición del museo de huacos [cerámicas rituales incaicas y preincaicas] es una búsqueda de identidad de quién soy –una búsqueda de identidad general no solamente mía, sino que va por un estudio sociológico abierto para entender la realidad en la cual vivo.

Borea colapsa el tiempo y la geografía, establece equivalencias entre culturas nativas americanas desplazadas y se pone casi directamente en los zapatos del trabajador. Empaqueta en los objetos de la muestra el sueño americano fallido, la implosión del mercado inmobiliario, las políticas de inmigración y otros ataques contra la clase trabajadora. Observando todo, hay unos readymades que atraen atención a estas preocupaciones de forma sencilla y directa: The Sound of this City, 2012, un paisaje de los rascacielos de Manhattan construido de zampoñas invertidas; Nothing, 2012, un letrero de plexiglás como símbolo quebrado y la pérdida del hogar como unidad vital debido a la crisis inmobiliaria; y Destino, 2012, un guante de cuero que lleva las líneas de la palma del artista cosidas en hilo como una reliquia con miras al futuro.

El trabajo más convincente en la exposición deconstruye estas preocupaciones atomistas y las recombina en aproximaciones de objetos rituales. Immigration Line, 2012 –una línea espectral de máscaras hechas de documentos de inmigración estadounidenses rasgados– oscila entre una representación de la identificación y el anonimato, y más severamente, traduce la acción de rasgar como una decisión entre aceptar participar o no en la realidad social sancionada. Para el artista, esa libertad de presentarse como uno desea ser visto traza conexiones del sacrificio ritual en las culturas antiguas, de la agitación política y el terrorismo de la década de 1980 en el Perú del cual él fue testigo, y de la clase invisible y descartada a la cual se refiere el titulo. Dos series de obras, Concreto y Ciclo Arqueológico, remontan su linaje directamente a los huacos. Tres retratos abstractos –o huaco-retratos– se forman a partir de una combinación de las herramientas de los trabajadores de la construcción, los bastidores del artista, y el plexiglás, que el artista admite:

AB: Es un poco la unión de dos oficios...que no necesariamente se integran o se tocan el día de hoy –un poco es la pérdida de eso. La idea del huaco, una idea casi romántica no es, sin embargo, naïf, pero sí es un poco la idea de una cultura antigua integrada en cuanto a las ideas, con la ideología, y con el arte.

IC: ...que crean un contraste con las piezas menos ambiguas Archaeological Cycle I, II, y III que son collages de catálogos de venta de armas, bienes raíces y artefactos indígenas y que parecen indiscutiblemente frágiles.

AB: Es el sentimiento, el desalojo, y el desplazamiento básicamente. Para mí, esto es un círculo y es la rueda de la historia, y las armas como medio entre una cosa y la otra... la violencia económica, mejor dicho, la violencia de la desigualdad, era lo que me interesaba en ese momento.

La obra del artista constantemente llama la atención sobre la dialéctica entre la ruina y la renovación. Donde los resultados de esta relacion deben ser vistos como símbolos y marcas realizadas por un artesano contemporáneo. Que sus reflexiones sobre la clase obrera no son necesariamente literales, lo reconoce abiertamente en Existe/Resiste, 2012 y San Cristóbal, 2012. El primero es un homenaje a la clase obrera, una caja de limpiabotas reconfigurada en un autorretrato díscolo y que repite un mantra superpuesto afirmándose a sí mismo con murmullos de "existe... resiste..." El segundo es un paisaje de los barrios pobres en la ladera de San Cristóbal construido con fósforos y encerrado en una caja de luz con una lámpara fluorescente.

AB: Todos sabemos que no se puede quemar, pero simplemente la idea de que haya esta posibilidad latente, resulta interesante.

IC: Su cercanía provoca una tensión contra lo que uno suele creer –una disonancia cognitiva. ¿Y el video que lo acompaña...?

AB: El fuego tiene que estar en esta pieza, no porque narre algo que puede pasar en el futuro sino porque me interesaba el acto del cambio, el acto de ejercer el gesto de prender un fósforo... como la idea de promesa de cambio. Entonces, un poco era la idea de que algo puede cambiar, algo puede incendiar o algo puede desaparecer.

Lo que sus respuestas revelan es una estrategia que emplea repetidamente Borea en la exposición, empezando por el tema de los trabajadores como el núcleo y el uso del museo y el huaco como metáfora de la vasija, vacía en su propósito como un repositorio de ideas o fuerzas políticas y económicas que afectan al trabajador, que conserva un recuerdo doloroso del deseo no realizado y un ciclo de fracasos. La conciliación de estas preocupaciones dispares que Borea postula resulta en un grupo de diferentes soluciones formales conectadas por su materialidad y que se convierten en obras individuales exitosas, que son sorprendentemente personales y melancólicas.

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“Because of Construction” fue exhibida del 7 de septiembre al 7 de octubre de 2012 en Y Gallery, 165 Orchard St, New York, NY www.ygallerynewyork.com. Alberto Borea es representado por Y Gallery.
Nueva York, 2012

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Alberto Borea nació en Lima, Perú, en 1979. Su obra ha sido exhibida en Latinoamérica, Europa y Estados Unidos. Recientemente participó en ”New York” en el Museum of Americas Washington DC, 2012 / Salvajes en Traneudstillingen, Dinamarca, 2012 / “Remesas: Flujos Simbólicos” en la Fundación Telefónica, Perú, 2012 / “Dublin Contemporary” –the Dublin Biennial, 2011 / Los “S-Files” -Bienal de El Museo del Barrio, 2011; entre otras. Ha sido merecedor de residencias como la de Skowhegan School of Painting and Sculpture en 2008 (Beca Fundación Cisneros), Art Omi International Artists Residency (2009), The International Studio and Curatorial Program (ISCP) y actualmente en el LMCC, Lower Manhattan Cultural Council. Vive y trabaja en Nueva York.

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*Ian Cofré es curador independiente de Nueva York. Abre su próximo proyecto Bigger Than Shadows el 3 de noviembre en DODGEgallery, Nueva York.