“PARA EMPEZAR” – MUESTRA COLECTIVA EN LA GALERÍA 80M2 LIVIA BENAVIDES

Armando Andrade Tudela asocia gran parte de su obra a la noción de hauntología, concepto derivado del libro Specters de Marx de Jacques Derrida (1993) y desarrollado por el escritor y crítico cultural Mark Fisher. Fisher sostiene que ciertas ideas o formas del pasado continúan cazando el presente aunque hayan desaparecido del panorama cultural. En su obra el artista cuestiona las nociones de origen y disolución y su relación directa con el trauma personal y/o colectivo, ya sea a través de la intersección de diferentes proyectos modernistas o dislocaciones culturales entre legados occidentales y sudamericanos.

Más Bien # 1-5 es una serie de trabajos bidimensionales donde la idea es estructurar una 'imagen' a través de la administración de sus cualidades materiales. De hecho, el proceso es más cercano al de la edición cinematográfica: los campos de color se utilizan como metraje en bruto, cortado, arreglado y editado juntos en una secuencia no narrativa. En este sentido, estas obras no tienen nada que contar más que su presencia material, que es en sí misma una representación de la forma en que están ensambladas, así es como se 'presentan', como material organizado y ordenado de las decoloraciones en algunos de los campos de color y de las curvas y desviaciones producidas por el estiramiento de la lona. Aquí es donde radica la contradicción y la tensión de la obra.

Gilda Mantilla (Los Ángeles, 1967) y Raimond Chaves (Bogotá, 1963) trabajan juntos desde 2001. Mantilla y Chaves, que actualmente residen en Lima, entienden su trabajo como una confrontación dialéctica con los contextos en los que se registran. Así, se han centrado en los procesos de representación e identificación que permiten la construcción de un territorio específico a través de imágenes.

La pieza está construida con 364 piezas rectangulares de cartón gris reciclado ensambladas en láminas de MDF siguiendo la estructura de un calendario que corresponde a los doce meses de abril de 2009 a marzo de 2010, en ese orden. Los colores de cada pieza/día tienen diferentes tonalidades de gris además de negro y rojo que representan la temperatura en Lima, la meteorológica y la sociopolítica al mismo tiempo.

En su práctica, Ximena Garrido-Lecca examina la turbulenta historia del Perú y explora el impacto cultural que ha resultado de los estándares coloniales a raíz de los procesos de globalización. La artista observa la arquitectura urbana, rural o natural y analiza los espacios donde se vislumbra una materialidad negociadora entre lo específico y lo universal. Toma como punto de partida formas de hacer, organizar y comunicar el presente en la cultura peruana actual y ejecuta estrategias de apropiación, modificación y montaje para interrelacionar nuestra relación con la transformación en la especificidad del paisaje. Es por ello que muchas veces las esculturas, dibujos e instalaciones de la artista tienen una referencia directa a las formas populares del Perú y mediante un gesto amplificador indican y recuperan sus significados en la construcción de su relación con el mundo. La obra de Garrido-Lecca reflexiona sobre las dinámicas abiertas que configuran la identidad y la convivencia de múltiples historias que necesitan ser revisadas para generar equilibrios económicos y sociopolíticos sin perjudicar a las comunidades más frágiles que resisten la hegemonía cultural. “En Umbrales utilicé obleas de silicio reciclado para crear composiciones geométricas, usando una técnica similar a las vidrieras. El silicio es un elemento que se encuentra mayoritariamente en la arena y el polvo, siendo el segundo elemento más abundante del planeta después del oxígeno ”. Los patrones utilizados en las vidrieras se han descargado de sistemas de bases de datos de gráficos vectoriales como Shutterstock. Son versiones sintetizadas de diseños peruanos precolombinos que se han transformado en vectores: imágenes gráficas por computadora que utilizan ecuaciones matemáticas para calcular la relación entre los bordes de las formas en un diseño específico.

Compuesto por una serie de pinturas y esculturas, When Our Pineal Glands were Big es un cuerpo de trabajo que consolida una narrativa que Zhivago Duncan ha estado creando a través de obras visuales y textuales durante los últimos 3 años. Su proyecto actual se basa en la transferencia de lo metafísico a lo físico a través de la contracción de la glándula pineal a lo largo de la evolución de la humanidad. En la antigüedad, los seres humanos tenían glándulas pineales mucho más grandes, que los animales salvajes continúan exhibiendo. Debido al tamaño significativamente mayor de nuestros cerebros en proporción a nuestro cuerpo, pudimos no solo aprovechar las mareas naturales y la “conexión y comunicación universales”, sino también una comprensión telepática más profunda de los demás. A través de los diversos esfuerzos de las evoluciones humanas y el cambio en la dieta y las condiciones de vida, la Humanidad perdió una conexión significativa con la tierra debido a la contracción de la glándula.

Estas pinturas son estudios de las nociones eternas de valor, ideas psicológicas, matemáticas, físicas y metafísicas de la creación del mundo. Se puede decir que son vistas microscópicas de elementos mucho más grandes o arquitectura que contiene valores psicológicos. La representación de la conectividad da origen a una línea de estructura humana mitológica que se cruza con historias de dioses y la naturaleza de un mundo que alguna vez fue armonioso.

Rita Ponce de León nació en Lima Perú, 1982 y vive en la Ciudad de México desde 2003. Las obras que presenta son, en sus palabras, “la vida que comparto con los demás”. Las imágenes provienen de conversaciones, interacciones, intercambios que tuvo con los demás. Y los títulos de las obras son citas de esas conversaciones.

Las esculturas, instalaciones y obras en papel de William Cordova están muy ligadas a su biografía transcultural, que lo llevó desde Lima, donde nació (1971), pasando por Miami, Florida, a los muchos otros lugares donde ha vivido o estado en los EE. UU. y Europa. Sus temas provienen de un continuo de movimientos radicales y agentes en las luchas por la autodeterminación. “Revelando las intersecciones entre el realismo mágico y el realismo social, orquesta colisiones entre historias antiguas y recientes, tradición oral y textos revolucionarios para dar paso a un espacio intermedio, de transición y, en última instancia, transformador”. (Rashida Bumbray).

Fernando Bryce (nacido en 1965 en Lima) asistió a la universidad tanto en Lima como en París y vivió durante muchos años en Berlín. Sus dibujos reexaminan sistemáticamente las formas en que los acontecimientos históricos se representan en los medios impresos. El proceso, que Bryce describe como "análisis mimético" implica la selección de archivos para materiales impresos como anuncios, artículos de periódicos y folletos de propaganda para reproducir fielmente una selección de estos materiales, creando sus propias "reconstrucciones".

La obra de Iosu Aramburu (n. Lima en 1986) gira en torno a la modernidad como paradigma estético, arquitectónico y filosófico. A partir de las reinterpretaciones de los lenguajes modernos, Aramburu busca cuestionar los fracasos del proyecto moderno. Explora la abstracción y la arquitectura modernista, utilizando sus elementos como punto de partida. A partir de la materialidad de su obra, reduce el ímpetu totalitario del arte moderno y recupera patrones estéticos para que tenga un ángulo crítico con el paradigma de la modernidad.

80m2 Livia Benavides

Malecón Pazos 252, Barranco

Lima, Perú