THE MUSICAL BRAIN - EXPOSICIÓN COLECTIVA EN EL HIGH LINE DE NUEVA YORK

Tradicionalmente, la música se considera una forma de arte que construimos nosotros mismos. Con diferentes reglas de organización, instrumentos y tradiciones en todas las culturas, la música ha apuntalado momentos colectivos esenciales en las sociedades desde siempre. Pero la música también es la forma en que escuchamos el mundo que nos rodea. A menudo utilizada para describir la naturaleza (el viento silba a través de los árboles), el cosmos (en la Música de las Esferas, o musica universalis) e incluso el entorno construido industrial (la pausa rítmica de un vagón de tren), la música es el orden en el que proyectamos un mundo cacofónico. Los humanos buscan orden y patrones, pero también disfrutan del caos y el ruido; De muchas maneras, la música se convierte en la forma en que podemos experimentar ambas al mismo tiempo.

Los artistas de esta exposición escuchan atentamente el mundo sonoro y exploran las diferentes dimensiones temporales, escultóricas, sociales e históricas de las formas en que hacemos música y las formas en que escuchamos. Se preguntan qué historias cuentan los objetos desechados cuando se juegan, qué sucede cuando la punta de un ferrocarril se convierte en una campana y cómo los jóvenes de nuestra generación cantan advertencias para salvar nuestro planeta. Nos recuerdan que la música es una poderosa herramienta de comunicación, especialmente en momentos en los que el lenguaje hablado nos falla. Lo sónico nos une para celebrar, protestar, marcar el paso del tiempo y simplemente estar juntos.

ARTISTAS

Rebecca Belmore (n. Upsala, Ontario, Canadá, miembro de Lac Seul First Nation (Anishinaabe)) y Osvaldo Yero (n. Camagüey, Cuba) colaboran en proyectos arraigados en la naturaleza material del arte y su relación con el cuerpo, la tierra y el idioma. La escultura de hormigón fundido y objetos encontrados de Belmore y Yero “I Heard a Singing Siren” hace referencia a dos estatuas de mármol talladas de sirenas en el Museo Arqueológico Nacional de Atenas, Grecia. La sirena es una figura femenina mitológica que atrae a los marineros a la muerte con una canción. La sirena de Belmore y Yero representa a la juventud, que canta para advertir de la acelerada devastación del planeta.

Vivian Caccuri (n. 1986, São Paulo, Brasil) está interesada en la fisicalidad de la música —el bajo que sacude una habitación y la pared de altavoces de donde proviene— y la importancia de la música en la vida diaria de las personas. Caccuri ha colaborado con músicos de todo el mundo, incluiso Brasil, donde vive y trabaja. En High Line, Caccuri instala un sistema de sonido de baile funk (también llamado paredão o equipe de som en portugués), una pila de parlantes cubiertos con vidrio reflectante que imita los nuevos edificios del vecindario y alberga una variedad de espectáculos de música y danza durante todo el año. La banda sonora de la obra está compuesta por Caccuri con Mulú.

Raúl de Nieves (n. 1983, Michoacán, México) realiza coloridas esculturas con cuentas y representaciones con trajes elaborados. Habiendo aprendido a coser y hacer crochet cuando era niño, los collages de De Nieves encontraron telas con cuentas en maniquíes y monos de lona para crear figuras fantásticas que exhibe como esculturas y usa en actuaciones musicales. De Nieves instala tres de estas figuras sentadas en bancos del High Line. Las esculturas hacen referencia a los trajes que usan los músicos para convertirse en sus trascendentes personajes e interrumpir a las multitudes con su esplendor mágico.

Guillermo Galindo (n. 1960, Ciudad de México, México) y el fotógrafo Richard Misrach colaboran en el proyecto Border Cantos, para el cual Misrach fotografía materiales a lo largo de la frontera México-Estados Unidos que Galindo, a su vez, transforma en esculturas y dispositivos sonoros. De esta serie, Galindo muestra Fuente de Lagrimas, una fuente hecha de las estaciones de agua que los voluntarios dejan cerca de la frontera entre Estados Unidos y México para servir a quienes intentan cruzar. Las estaciones suelen recibir disparos de balas; La fuente de Galindo gotea a través de estos agujeros hasta un piso de hojalata y amplifica los sonidos resultantes.

Las obras de David Horvitz (n. Los Ángeles, California) deambulan alegremente entre formas materiales como performance, libros de artista, arte postal, plantas y fotografía, así como formas inmateriales como memes, paseos y rumores. Para The Musical Brain, Horvitz forja púas de acero de las vías originales del tren de High Line en una cadena de pequeñas campanas. La pieza hace referencia a cómo suenan las campanas de iglesias y edificios cívicos y, por lo tanto, estandarizan el tiempo. Al instalar una serie de campanas debajo de las oficinas de High Line, Horvitz convierte el parque en sí mismo en un instrumento musical.

Mai-Thu Perret (n. 1976, Ginebra, Suiza) crea pinturas, esculturas, instalaciones y películas que hacen referencia a movimientos históricos feministas y utópicos, así como a su propia comuna ficticia exclusivamente femenina, The Crystal Frontier, que comenzó a fines de la década de 1990. Perret presenta Eventail des caresses (Coeur, Poumons, Utérus), o Abanico de caricias (Heart, Lungs, Uterus), un repique colgante de campanas de bronce fundido en forma de órganos humanos. La escultura se hizo originalmente para una instalación titulada Garden of Nothingness, y hace referencia a los principios budistas zen de vacío y plenitud.

Naama Tsabar (n. 1982, Tel Aviv, Israel) trabaja en la intersección entre la arquitectura y la música, mostrándonos cómo el sonido se mueve a través y más allá de las paredes y los edificios. Tsabar realiza representaciones, esculturas e instalaciones colaborativas a gran escala que pueden ser interpretadas por músicos y visitantes. Para High Line, Tsabar hace un metrónomo instalado en un pedestal de piedra. El trabajo se inspiró en las conversaciones contemporáneas sobre la eliminación de monumentos confederados, pero va más allá para explorar la relación cambiante entre la historia y el tiempo. En su trabajo, Tsabar enciende el tira y afloja entre las esculturas estáticas y las actuaciones y experiencias basadas en el tiempo que las dan vida.

Antonio Vega Macotela (n. 1980, Ciudad de México, México) realiza esculturas e instalaciones, en colaboración con otros, donde las relaciones y el trabajo se convierten en la obra de arte. Durante One Second, Vega Macotela trabajó con hackers para incrustar los datos de un archivo mp3 de un segundo de silencio grabado en una gran lente acrílica, distorsionando así la imagen que se ve a través de ella. El silencio es tomado de un video grabado encima de “La Bestia”, uno de los trenes de carga que muchos migrantes centroamericanos utilizan para atravesar México en su viaje hacia el norte.