WALTER OTERO: “UN GALERISTA TROPICAL ES ESE QUE NO LE TIENE MIEDO A NADA”

El galerista boricua Walter Otero es nombre clave en el desarrollo e internacionalización del arte puertorriqueño, pero también es una figura poco ortodoxa en la industria del arte. Desde su trabajo inicial con Arnaldo Roche y la creación de su galería Walter Otero Contemporary, su visión de la gestión del artista y del funcionamiento de un ecosistema en constante cambio le convierten en una voz autorizada para diseccionar los cambios de las últimas décadas. Tanto es así que, recientemente, se ha publicado Walter Otero. Un galerista tropical: Una conversación con Omar-Pascual Castillo, un compendio gráfico y textual en formato de diálogo con el comisario de origen cubano donde se revisa toda su trayectoria y que nos deja también algunas preguntas.

Cuando nos aproximamos a tu perfil como galerista, pudiera dar la sensación de que no es un perfil ortodoxo, en el más estricto concepto. ¿Qué crees que es lo que más ha incidido para que así se perciba?

Creo que la diferencia fue que no estudié arte formalmente, sino Administración de Empresas y Mercadotecnia. Incluso antes, llegué solo hasta la escuela intermedia, porque no me parecía muy interesante, y desde joven aprendí a monetizar. Así que cuando trabajé con Roche como estudio manager, aprendí que el arte también es un producto: de tener este control, de entrenar a los muchachos y de bregar con finanzas, que es cuando entiendo que lo que tengo que estudiar es negocios. Él me empujo a ello.

De alguna manera, ese paso se materializa en la apertura de tu primer galería, y ahí entiendo que es donde concibes, de manera mucho más aterrizada, toda esa teoría.

Cuando monté mi galería en 2003 y me hice público en 2004, comencé a pensar en el arte como un producto, pero como un producto con un valor cultural mucho más amplio, que puede convertirse en patrimonio. En mi enfoque, no es tanto solo vender, sino combinar la venta con un aspecto más sutil, casi inconsciente. La gente no percibe que le estás vendiendo, pero de alguna manera estás creando la necesidad del producto.

Cuando se menciona la palabra “producto” se entra siempre en un terreno léxico muy pantanoso, muy poco amigable, sobre todo para los artistas. ¿Cómo eres capaz de lidiar con ese sentimiento, casi universal, del artista?

 Al principio fue muy difícil, porque chocaba con algunos artistas. Cuando les enfrentas al artista y les dices: “No todo tiene que ser dinero, pero no vas a regalar la obra, ¿no? No podemos ser hipócritas.” Con el tiempo, empiezo a hablarles como si fuéramos amigos de toda la vida, pero la clave que radica en construir un proceso de confrontarlos con la realidad sin perder la relación.

A lo mejor cometo un exceso al tratarlo como un sentimiento común… ¿Lo notaste en todos por igual?

Cuando empecé a trabajar con artistas ya establecidos, ellos reaccionaban sorprendidos. Recuerda que estaban en un círculo donde hablar de mercado era un tabú y, como artista, no se discutía el mercado. O muy pocos lo hacían. Ángel Otero hizo un podcast en Puerto Rico recientemente donde habló de la responsabilidad del artista con el mercado de manera tan sofisticada que tuve que aplaudirlo. Necesitaba que alguien lo hiciera, porque me estaba validando a mí y a un proceso que llevo años tratando de aplicar.

Aun así, se me antoja compleja la gestión entre esa vertiente comercial y el valor o la conciencia artística.

No creo que tenga que ver con el dinero o el éxito, sino lo que el artista merece. Por eso, muchas veces surgen conflictos. Como galerista, te enfrentas a múltiples situaciones complejas.

Llega un momento en que la venta en sí no es un problema, y el verdadero desafío es lograr que las instituciones y curadores respeten el trabajo del artista con la seriedad que merece. Se trata de guiar al artista del punto A al B y hasta el C. Quiero ser parte de un legado, de ayudar a que los artistas crezcan. Por ejemplo, cuando llevamos a grandes nombres a Puerto Rico se hizo con la conciencia de construir un camino que elevara nuestro propio valor.

Ahí es fundamental cómo la insularidad, quizá, ha moldeado en ti un carácter y unas necesidades muy específicas, ya no te voy a decir como galerista, pero sí como agente cultural dentro de la isla.

Totalmente. Es no pensar en el arte como arte, sino como un vehículo. Hay una visión también de que vamos a ser más grandes si nos enfocamos en cuál es el objetivo que perseguimos. Y ese es que queremos ser tan importantes como los artistas americanos, o los europeos, o el que sea. A mí me molesta cuando nos clasifican. El arte es arte y es un idioma mundial. Claro que podemos venir del Caribe, que podemos venir de África, está bien, pero, al final, es arte. Y el fenómeno de Bad Bunny aporta eso también: ahora creemos en nuestras posibilidades. Yo vi venir esto hace veinte años, pero necesitamos un fenómeno. Si Ricky Martin hubiese sacado actualmente La vida loca, ahora sería 10 veces más grande de lo enorme que ya fue, porque Ricky lo hizo sin redes sociales.

Mencionar estos nombres en un contexto de supuesta “alta cultura” puede erizar los pelos, pero también en esa disparidad entre la cultura elevada y la cultura popular, se pueden encontrar sinergias para posicionarse.

Muchas veces no aprovechamos las herramientas que tenemos. A veces el galerista está tan educado formalmente que no quiere explotar esas capacidades que tiene para vender sin vender, sino que se queda en educar, en hablar, en explicar. Los videos que yo quisiera hacer de la galería normalmente solo los hace un museo. Yo a veces los hago, y a veces caen mal. Y soy consciente de ello, porque amigos me escriben y me trasladan las críticas que la gente hace por ello. Pero yo simplemente hago lo que creo que hay que hacer.

Volviendo un poco al punto de la insularidad, vemos que existen necesidades y que se convierten en papeles, distintos sombreros, que tú desempeñas a lo largo de estos años. ¿Cómo se ha ido formando esa manera de pensar en tu cabeza?

Muchas cosas pasan de forma orgánica y solo las entiendes cuando miras hacia atrás. A veces alguien te dice que acaba de leer algo en un libro y te das cuenta de que tú llevas años diciendo lo mismo. Hay cosas que entiendo rápido porque me salen de manera natural, pero en el mundo del arte muchas veces hay que trabajar con cuidado. Pero he dejado de preocuparme tanto por si lo que digo ofende a alguien, porque hay mucha hipocresía. Por ejemplo, en Puerto Rico hay artistas que se dicen antiamericanos, pero aceptan premios de instituciones americanas. Entonces ya no tengo miedo de decir lo que pienso: no es por ofender, simplemente digo mi verdad.

¿Crees que para que se reconozcan ciertos artistas regionales —vamos a englobar geográficamente— es imperativo que den el salto a Europa o a Estados Unidos?

Antes pensaba más así, en proyectos que fortalecieran el currículo de los artistas. Pero ahora lo veo de una forma más amplia. No me interesa tanto hacer ferias ni pensar solo en el mercado, sino trabajar más desde en la gestión y el desarrollo de las carreras. Las ferias siguen funcionando, pero con la oferta actual ya no representan el mismo reto que antes. Mi interés es conectar a mis artistas con otras galerías y fuerzas dentro del sistema. Aunque me toque una parte más pequeña, prefiero construir algo a largo plazo y usar mis relaciones para que otros miren a mis artistas. Mira Gisela Colón: llevo tiempo advirtiendo de un nuevo interés por el arte minimalista, y ahora estamos viendo exposiciones importantes en esa línea. El arte funciona en ciclos y muchas cosas terminan regresando.

Y en esa carretera de doble dirección con el artista, ¿se corre el riesgo de acabar desarrollando una relación de paternalismo?

Desde que empecé en el mundo del arte he visto de todo: crisis económicas, el 11 de septiembre, huracanes, la pandemia. Después de tantos golpes al sistema, uno se prepara para cualquier cosa. Con los artistas también asumo un rol muy cercano, casi paternal, sí. Cuando veo que viene una crisis económica, lo primero que les digo es que hay que ahorrar y controlar los gastos. Hay momentos de crecimiento y otros en los que hay que detenerse, minimizar y esperar, y yo les hablo a los artistas no solamente de finanzas, a veces hay que ser el terapeuta también, porque son humanos.

Regreso un momento a la línea de confianza, pero con los clientes. Tu clarividencia o apuesta firme pueden también suponer una presión añadida. Es decir, se corren también muchos riesgos como galerista ejerciendo de, digamos, prescriptor dentro del mercado.

Me alegra que lo señales así porque, aunque me divierte mucho este trabajo, soy muy consciente de la responsabilidad que implica. Yo trabajo mucho por recomendación. Hoy en día el perfil del coleccionista también ha cambiado. Antes, muchos coleccionaban por amor al arte, querían apoyar a un artista sin esperar nada a cambio. Ahora, la lógica es más de negocio, de saber qué van a ganar. A mí no me molesta, porque al menos lo dicen de frente. Protejo mucho mi sensibilidad, pero trato de ser muy honesto con los coleccionistas, porque son una parte fundamental del sistema.

Pero, de nuevo, nos cruzamos con muchas opciones que no están bajo control de uno…

Si un artista empieza a perjudicar su propia carrera —por excesos o malas decisiones— también tengo la responsabilidad de advertirlo. A veces incluso recomiendo vender una obra antes de que su valor se vea afectado. Ser galerista es estar en el medio: tienes una responsabilidad con el artista, pero también con el coleccionista. Por eso digo que uno es como el jamón del sándwich, tratando de proteger ambos lados sin caer en la hipocresía. Esa es una de las múltiples facetas que tiene este trabajo.

Eso me lleva a que, muchas veces, no somos capaces de entender la cantidad de aristas que ser galerista tiene. ¿Tú en cuál te sientes más cómodo?

Esa es una buena pregunta, pero creo que lo tengo todo bastante equilibrado. Tengo coleccionistas que coleccionan de corazón y a quienes el arte les ha cambiado la vida, pero también tengo artistas que viven y respiran por su arte. Siento que debo inclinarme un poco más hacia los artistas, porque suelen ser más vulnerables frente a quienes tienen dinero y poder. Por eso, aunque el balance existe, siempre me inclino hacia ellos. El artista bohemio suele preocuparse solo por hacer su trabajo y ser feliz en ello; el resto le da igual. Ahí es donde entra la figura del galerista: acompañarlo, guiarlo, protegerlo.

Esa involucración es, precisamente, una de las diferencias o evoluciones que podemos percibir en esa relación entre galerista y artista en los últimos años.

Hoy el mercado se está moviendo más hacia gestores que cuidan todos los detalles estratégicos del artista. Todos los grandes artistas tienen managers o detrás hay un equipo que les dice qué hacer, que protege su mercado y controla su estrategia. Eso es fascinante y muchos curadores e intelectuales del arte suelen ignorar, pero es crucial, y, como galerista, trabajas con ellos en ese sentido. Luego está la parte bohemia del artista, que viene de base. Yo les digo: “Hay que salvar esta obra en subasta; debe venderse a este precio”. Antes muchos me decían que no les interesaba, pero les recuerdo que es su responsabilidad. Yo mismo destino un porcentaje de lo que generamos a un fondo para “salvar” obras cuando sea necesario. No se trata de comprar por comprar, sino de mantener el mercado a nivel de precio y proteger el valor del producto artístico.

Hablando de ese valor del producto artístico, me interesa conocer tu valoración de las diferentes estrategias de mercadotecnia que se llevan hoy en día.

Hay marcas de lujo que te hacen firmar que la reventa está controlada por ellos. Protegen la marca, protegen el producto y, si cambias algo, te demandan. Lo mismo pasa con el arte. Si no proteges tu producto, ¿quién lo hará? Por eso le digo al artista: “Eres un producto”. Hay estrategias concretas, como hacer gráficas múltiples para financiar toda una operación sin perder el valor de la obra. Hay artistas que gestionan así su carrera, con años sin apariciones comerciales y siguen vendiendo, pero nadie se entera. Sus obras están en los mejores museos y así construye el valor de su marca. El museo crea la necesidad del producto; todo el mundo quiere a esos artistas.

Mencionabas las marcas de lujo, y me parece relevante también ahondar en el impacto de estas en la definición del mercado actual.

Los artistas colaboran con Dior, Louis Vuitton o Loewe porque eso es lujo y valor, y eso funciona. Incluso si lo odian, van a seguir siendo artistas de renombre. Ellos saben que poner una escultura en un parque público y vender versiones pequeñas mantiene su relevancia. Piensa en Warhol: al principio lo odiaban, y hoy es toda una institución. Las estrategias artísticas han pasado de ser solo creativas a ser también comerciales. Por ejemplo, Mauricio Cattelan y su famoso guineo. Entendieron cómo viralizar su obra y él sabía que iba a generar impacto.

¿Cómo crees que ha cambiado con estas acciones ese tejido sectorial y qué valor tiene el museo dentro de él?

Ha cambiado porque ahora el artista que quiere abrir los ojos entiende que es un producto y que debe protegerse, porque al final el galerista puede desecharlo. El control está en sus manos, y tiene que tener claro su camino. Eso ha transformado todo el proceso. El futuro depende de que cada artista comprenda que su obra es a la vez un producto cultural y un producto comercial. Entender y manejar ambas dimensiones ha cambiado las reglas del juego. Incluso las galerías hoy han perdido mucho poder y ahora son los artistas quienes llevan la delantera. Ahora, con las herramientas digitales, el alcance es mayor y todo se mueve estratégicamente, pero la lógica es la misma.

Es evidente que las nuevas tecnologías han cambiado radicalmente la forma de percibir el mundo del arte, y más aún su industria.

Mucho, y aunque hay una pelea de te odio y te amo, a mí me gusta, porque me encanta llegar a cuantas más personas, mejor. Y sí, hay mucha hipocresía alrededor de esto. Te digo honestamente, a veces me siento ridículo al actuar, pero hay que hacerlo. Yo mismo a veces no me soporto, pero sé que es necesario.

Y eso también acabará transformando la relación del público con las galerías, ¿no?

A mí me encanta cuando la gente se acerca a la galería, aunque no venga a comprar. Me gusta que pregunten, que quieran entender por qué una obra es así o por qué vale lo que vale. Eso lo disfruto mucho más que cuando alguien entra y solo pregunta el precio. A veces llega alguien que quisiera comprar una obra, pero no puede pagarla de golpe. Entonces hacemos planes de pago. Prefiero ese proceso, el de alguien que paga poco a poco porque realmente quiere la obra y la quiere disfrutar en su casa. Para mí eso demuestra que todo depende de cómo uno mire las cosas y que hay que darle la vuelta y ver las oportunidades. Esa actitud es la que crea relaciones duraderas.

Por cierto… ¿Qué es un galerista tropical?

[Risas] ¡Esa nunca me la pensé! Yo creo que un galerista tropical es ese que no le tiene miedo a nada. Cuando vienes de una isla en donde el primer obstáculo es el agua, tienes que estar constantemente pensando. Yo en verano ya me estoy preparando para la temporada de huracanes, y mientras no sepa el pronóstico de lo que va a pasar, no hago todas las proyecciones económicas y de inversión. Soy virgo, todo lo analizo, porque vivo en una isla que “somos y no somos”, como decía Roche. Siempre pienso en lo que conviene a Puerto Rico. Esa es la realidad del “galerista tropical”: enfrentar obstáculos, como la falta de pabellón en Venecia para nuestra isla. Puerto Rico tiene una presencia cultural poderosa y el arte en Puerto Rico es un vehículo que conecta lo local con lo global, siempre desde la conciencia de nuestra identidad. Siento la presión de no poder exhibir a todos, pero siempre trato de encontrar oportunidades: eso forma parte de la responsabilidad del galerista tropical.

Walter Otero. Un galerista tropical: Una conversación con Omar-Pascual Castillo fue presentado el 6 de marzo de 2026 en Madrid y está publicado por Turner Publicaciones, S.L.