TRES ARTISTAS LATINOAMERICANOS EN EL MoMA

José Bedia, un artista cubano coleccionando lo intangible

Desde 1980 ha sido una de las figuras más prominentes del arte cubano. El trabajo de Bedia refleja su interés por construir relaciones entre sistemas espirituales de la diáspora africana e indígenas. A la par de su carrera de cuatro décadas, Bedia es un ávido coleccionista de arte autodidacta, ritualístico y ceremonial.

En diálogo con el MoMA, el artista explica: “Mi obra y mi colección han estado juntos desde el principio. Esto sucedió de forma espontánea cuando empecé a estudiar arte, dado que, en aquellos años, me sentía inconforme con que la enseñanza artística estuviera orientada hacia la historia del arte occidental en todos sus aspectos. Las producciones artísticas de otras culturas no se mencionaban para nada, por lo cual me propuse proporcionarme con esta información y suplir este déficit. En un principio me enfoque en la arqueología indígena de Cuba, para pasar a la búsqueda de objetos etnográficos de África y Oceanía”.

La historia es un organismo vivo: Rosângela Rennó

La artista brasileña reutiliza fotografías descartadas para luchar contra la “ignorancia estructural” y el borrado deliberado de la historia. Si bien Rosângela Rennó no es fotógrafa, la fotografía es tanto su material como su tema. Se inspiró en archivos olvidados y fotografías anónimas para crear obras de arte que enfocan historias marginales.

Su trabajo invita a detenerse en las superficies desgastadas y los bordes deshilachados de la modernidad tecnológica y plantea preguntas importantes: ¿Quién tiene derecho a a la visibilidad? ¿Quién tiene derecho a la opacidad? ¿Cómo se construyen las narrativas históricas a través de la cultura visual? ¿Y qué historias olvidadas podrían salvarse?

En diálogo con el MoMA, la artista expresa: "Suelo decir que mi interés radica en las humanidades, en la historia y sus borrados, y en la propia historia de la fotografía, sus usos y funciones sociales. Todo eso comienza con una inmersión en las imágenes mismas, en colecciones que encuentro en Brasil y en el exterior. Mi proceso de trabajo se asemeja al de un investigador, porque mi involucramiento con un conjunto específico de imágenes requiere investigar sus orígenes, su destino y las razones de su existencia. En su mayoría, me interesan las colecciones que estaban destinadas al olvido o a la destrucción, como los archivos mal clasificados o almacenados, o los archivos que salen a la venta en los mercadillos o se encuentran en la basura. La imagen desechada adquiere una cualidad “anónima”, aunque por supuesto fue hecha por alguien. Más allá de esto, la imagen descartada tiene mucho que revelar, quizás incluso más que una que ha sido clasificada".

Paisaje y distancia en la obra de Suwon Lee

La artista venezolana realiza un trabajo de inversión de los paisajes clásicos latinoamericanos. En 2011, tomó una serie de fotografías, tituladas Crepuscular, que reinterpretan críticamente la fuerte tradición del paisaje latinoamericano a partir de la inversión estratégica de los puntos de vista de sus tomas. La ciudad más peligrosa del mundo, Purple Haze (Neblina púrpura) y Lights On (Luces encendidas), las tres obras en la colección del museo, fueron tomadas en Caracas, Maracay y São Paulo a la hora del crepúsculo.

Para hacerlas, la artista colocó la cámara exactamente en aquellos sitios de las tres ciudades que han sido infinitamente reproducidos en las vistas urbanas y en las historias del arte nacionales, dejando esos paisajes icónicos deliberadamente fuera de cuadro. Así, lugares turísticos como el Corcovado en Río de Janeiro o el Ávila en Caracas desaparecen de las fotos y son solo aludidos por omisión. Las fotos de Lee, entonces, contraponen la idealización del paisaje con las realidades actuales de esas ciudades.

Chosen Memories. Contemporary Latin American Art from the Patricia Phelps de Cisneros Gift and Beyond.

Hasta el 9 de septiembre de 2023.

MoMA. 11 West 53 Street, Manhattan.