CONSTRUYENDO PUENTES PARA ARTISTAS EMERGENTES ARGENTINOS

VISITÁ LA EXHIBICIÓN ONLINE artistasemergentesargentinos.com

La convocatoria, dirigida exclusivamente a artistas emergentes nacidos y residentes en la Argentina, tuvo una muy buena respuesta por parte de la comunidad artística local, con más de 180 inscriptos que manifestaron su interés por capacitarse y adquirir herramientas para formarse y perfilarse hacia el mercado internacional.

La selección estuvo a cargo del teórico, curador y docente argentino Rodrigo Alonso; la curadora Irene Gelfman; y un comité de especialistas de la Cancillería Argentina.

La presentación de los artistas seleccionados se realizó hoy miércoles 10 de noviembre y apuntó a galeristas, expertos y agentes varios del mercado del arte. El énfasis de la convocatoria y consecuente exhibición virtual está puesto en la oportunidad de negocio para los artistas seleccionados, además de la visibilidad internacional que recibirán.

Artistas:

GUILLERMO ANSELMO VEZZOSI (Pcia. de Entre Ríos). Nació en Santa Fe en 1984 y desde 2013 vive en la ciudad de Cerrito, Entre Ríos. Es Artista Visual y Arquitecto.

“Mi producción artística entrelaza arte y ciencia y busca abordar la relación que existe entre las escalas macro (Universo) y micro (Partículas). A partir de ese punto inicial, mis indagaciones prosiguen buscando entrelazar conceptos del calentamiento global y sus consecuencias, así como también una búsqueda necesaria para hallar las raíces de América.”

EVI CONSTANZA TÁRTARI(Pcia. de Tucumán). Artista visual, docente e investigadora.

“Me interesa el trabajo desde el borramiento de los límites atravesado por el concepto de arqueología visual, busco poner en escena diferentes tiempos y a la vez hablar de una historia común. Me interesa la fotografía como herramienta y soporte de la práctica arqueológica, que se define desde las veladuras y al mismo tiempo conforma nuevos escenarios que resultan en imágenes que proponen un encuentro, entre quienes han habitado y quienes existimos en el presente.

Una búsqueda es un recorrido en todo caso, que implica el re-conocimiento de un territorio para la posterior investigación, en el caso de las prácticas artísticas, pienso que el andar constituye en sí una primera instancia de encuentro (con el espacio y con los materiales). ¿Podemos cambiar desde las formas la experiencia de vivir? ¿Existen imágenes que regulan la manera en que transitamos?

Todas las veces que nos propusimos desde nuestros cuerpos/ territorios pensar y practicar lo social, lo técnico, lo político ¿de qué forma nos acercamos a lo que entendemos como “otro”? ¿Por qué nos parecemos tanto a lo que nos es ajeno?

Mi búsqueda consiste en encontrar la manera de capturar algo que re-conozco, pero que está lejos. Algo que se relaciona con tomar lo que me constituye para soltarlo al mismo tiempo. Un espacio en el que se produce una convivencia entre las formas que sugieren desde el vacío o la transparencia, los cuerpos superpuestos en planos borrosos, y quien decide hacerse presente ante ellos, que desde ese momento constituye una capa fugaz de historia: el presente.”

MARÍA CELESTE MARTÍNEZ (Pcia. de Córdoba). Nacida en 1973, es Licenciada en Artes Visuales en la Facultad de Artes en la Universidad Nacional de Córdoba (Argentina) y profesora de Historia del Arte Moderno y Contemporáneo. Actualmente vive y trabaja en la ciudad de Córdoba (Argentina).

“El proceso de mis obras y proyectos se centra en la investigación en torno al concepto del cuerpo como metáfora social. Me interesa trabajar sobre la percepción de la fragilidad, el cuerpo-materia como figura retórica, soporte de identidad, herencia o de enfermedad.

Mi obra atraviesa diferentes disciplinas, utilizo formatos y lenguajes diversos para materializar cada proyecto, incluyendo instalaciones, fotografía, video, y diferentes técnicas de producción objetual.

Como metodología de trabajo me interesa el cruce y el diálogo con otros oficios y conocimientos, la investigación desde el ámbito de las ciencias médicas, hasta el trabajo colaborativo con artesanos, tejedoras, fotógrafos y también especialistas en soportes electrónicos, como en las últimas producciones. En esa riqueza de vínculos y experiencias se componen las obras.”

ERIK ARAZI (CABA, Buenos Aires). Nacido en 1990, se formó en distintas clínicas, programas y residencias.

“En mi trabajo utilizo el dibujo como portal de comunicación desde otra dimensión, autoconocimiento y comprensión de la naturaleza del mundo.

La intuición es un punto importante en mi práctica, como si las imágenes descendieran de las neuronas cerebrales a mis manos y los dibujos se hicieran solos de forma mágica.

Navego desde la intuición donde mi conciencia no está bajo control, construyendo mi inteligencia emocional como líneas guiadas hacia las ideas.

Tomando el dibujo como punto de partida en el desarrollo de mi trabajo, exploro diferentes formas de entender mi propia entidad, transformando mi percepción de la conciencia lo que me permite experimentar nuevas comprensiones de la realidad, el espacio y el tiempo.

Creando un orden mental de imágenes aleatorias dentro de mi propia cabeza, la acumulación de dibujos en sí mismo actúan como la manifestación más importante como ser humano.”

"LENI" MARIELA TRIGO (CABA) estudió en un colegio Nacional de Córdoba. En 2010 se muda a La Plata para especializarse en dibujo en la Facultad de Bellas Artes y aportarle un carácter más teórico a sus trabajos.

“Mis obras en general apuntan a imaginarios de la cultura visual, representados con una estética pseudo científica. Hay un cruce entre viejas estéticas conservadoras de la ilustración naturalista, miradas darwinistas, obsesivas taxonomías y problemas existenciales contemporáneos. Comencé trabajando con los imaginarios rurales de la identidad argentina, para luego derivar en el utilitarismo de la naturaleza y la representación didáctica como forma de construir conocimiento. En 2021 recibí una beca de creación del FNA, con la cual estoy desarrollando, por un lado una serie sobre falsas taxidermias hechas con objetos comprados en Once y Mercado Norte. Por el otro, estoy incursionando en el oleo con una serie sobre los mercados húmedos de animales.”

MATÍAS DE LA GUERRA (Pcia. de Salta) 26 años, nacido en Salta.

“Mi obra es autobiográfica y habla de obsesiones que fueron apareciendo durante mi infancia a causa de situaciones familiares. Movimiento, cabellos, el color amarillo, iconos, pop, son características con las cuales me identifico.

Realizo fotografías en donde me autorretrato sumergido en estas situaciones imaginarias que aparecieron durante mi infancia, uso la moda como herramienta llevada al contexto familiar, recreando a partir de lo que viví y vivo cotidianamente. La relación de un chico creciendo en un hogar rodeado por mujeres, la importancia de la mujer y cuan imprescindible fue crecer con ellas en el contexto salteño se ve reflejado en mi hacer. La colaboración es algo importante ya que en estas imágenes aparecen mi madre, mi abuela, mis amigas y mis iconos pop, en foto montajes realizados con photoshop. Además realizo objetos de diversos materiales que se relacionan con estas obsesiones: cabellos, peines, utileria de tocador y lentes forman parte de estas fotografías, videos, performances y a la hora del montaje se transforman en una instalación. Formar un personaje vistiendo de amarillo todo el tiempo, coleccionando objetos acompañados con la interacción en redes sociales es un punto clave.”

BASILIA GUADALUPE PÉREZ OBREGÓN (CABA). Nacida en Corrientes y egresada de la licenciatura de Ciencias de la Comunicación de la Univ. de San Andrés (2014).

“¿Qué hago? Observo. Hay movimiento en la quietud del mirar. Componer imágenes es aprender, sobre el mundo, sobre una misma. Elijo aquello por lo que siento misterio, formas que me despiertan curiosidad. Es una forma de ordenar el mundo.

Pasó una bandada de pájaros por la ventana, recuerdo la sombra de las plantas en mi balcón, el movimiento del agua arriba de la canoa en la laguna, hay movimiento. En el proceso me dedico a mirar en pequeñas porciones, el pliegue de algo que al fin de cuentas termina siendo el pliegue mismo del mundo.

Disfruto de la experiencia de contemplar. El reflejo del rojo, la sombra de un objeto, una línea que se curva. Tengo un archivo de imágenes mentales de cómo son las apariencias de las cosas, pero por lo general ese registro sólo cubre la superficie. La mirada no acaba el objeto.

No trabajo en series, mi método es más bien parecido al de un árbol que lanza semillas al azar, en algún momento alguna de ellas prende. Cuando empecé la serie de animales, me di cuenta de que nunca había mirado un mono. Pintar el mono fue descubrir su forma. Recién ahora veo.”

NATALIA BELÉN FORCADA (La Plata, Buenos Aires) es Directora de cine, Licenciada y Profesora en Dirección de Cine en la Universidad del Cine. Cursó la Diplomatura en violencia de género y resistencias feministas en Museo Evita. Se formo en Arte Contemporáneo en Node Center (Berlín) y en clínicas, seminarios y de modo autodidacta.

“Mi proceso de obra es la psicomagia, entendida como actos en el presente que sanan y/o transmutan el pasado, presente y futuro a través de acciones poéticas. Creo objetos y dispositivos performáticos con las cuales genero experiencias que suelo registrar en imágenes fijas y en movimiento intentando siempre buscar la transmutación.

Realizo obras performáticas, considero la matérico y los objetos como un espejo, formulo preguntas deconstructivas sobre mis pensamientos como artista y mujer, creo objetos participativos donde invitar a otres a vivenciar su propia transmutación y donde activar los 5 sentidos.

Tomo mi cuerpo y mi obra como un laboratorio alquímico. Pienso en mis obras como una puesta en escena de conflictos, emociones y vivencias sobre el ser,  como una pregunta a modo de caricia o de lanza hacia quien la vivencia.”

RENATA MARIA MOLINARI nació en Buenos Aires, donde actualmente vive, en 1996. Estudió Ciencias Físicas en UBA durante dos años y en 2016 inició la Lic. en Artes Visuales en UNA, que completó en 2020. Entre 2019 y 2021 realizó el Programa de Artistas de la Universidad Di Tella.

“Trabajando desde la pintura, la escultura y la performance, investigo las fronteras difusas entre categorías como lo vivo y lo inerte, lo artificial y lo natural, el cuerpo y el objeto. Mi práctica hace uso de elementos de fantasía, ficción especulativa e imaginarios transespecie para indagar en visiones de mundos alternos.”

CLAUDIO DANIEL DOMÍNGUEZ ARANCIBIA es Artista Visual en San Juan, Argentina. Su formación artística en gran medida ha sido de manera independiente. También amplió su experiencia el cursar parte de la carrera de Diseño Grafico en La Universidad Nacional de San Juan. Al igual que se formó en diversos cursos, seminarios y talleres de arte.

Su interés, en estos once años de profesión como artista, principalmente se centró en el dibujo y la pintura. Obras de tendencia “realista” y de lo que se suele llamar “Realismo mágico o fantástico” son las que esencialmente conforman sus creaciones. El retrato es uno de sus temas más explorados. Desde hace 6 años enseña dibujo, retrato y pintura en talleres y cursos de gestión privada y pública.

Actualmente, con sus 34 años de edad, incorporó la obra escultórica a su producción habitual. Varias de sus esculturas han sido emplazadas en diferentes puntos de la provincia de San Juan. Bustos de próceres, personajes históricos de San Juan y monumentos son algunas de ellas. Obras que en su mayoría nacieron del trabajo en conjunto con su esposa Elizabeth Leguizamón, con quien tienen un proyecto en común: Realizar creaciones artísticas de producción personal, como también para empresas, instituciones y particulares.

VISITÁ LA EXHIBICIÓN ONLINE artistasemergentesargentinos.com