ARTISTAS DE LATINOAMÉRICA EN ESPAÑA: NUEVOS APUNTES DE UNA INVESTIGACIÓN

Antes de empezar…

Como nota introductoria al lector quiero aclarar que este es el segundo de tres artículos que surgen de una investigación en curso en el marco de la academia. Si no leíste el primero, te invito a leerlo.

Con esta serie de artículos busco recoger las sucesivas diásporas de artistas latinoamericanos a España desde los últimos años previos al comienzo del siglo XXI hasta el presente. Como toda compleja recopilación que recoja procesos de transculturación y que corresponde a presentes decoloniales, nos han provocado echar la vista atrás para adentrarnos en analizar los diferentes motivos de los flujos migratorios por los que muchas generaciones de creadores residieron aquí: desde la formación en estudios superiores, sucesivas crisis económicas y/o motivos políticos hasta razones más prosaicas.

Este marco de reflexión tiene como objetivo evidenciar la desarticulación o modificación de las prácticas generadas en el tejido cultural gracias a las aportaciones, tanto de los procesos artísticos como de pensamiento, producidos en territorio español y que ha provocado un viraje en la  dramaturgia decolonial y antirracista en los espacios museográficos y/o espacios independientes y en las prácticas de las instituciones.

Mosquera y Margolles, maestría que deja huella

Decía hace unos meses en La Madraza de la Universidad de Granada que la reedición en castellano de Beyond the Fantastic tomaba el pulso del interés actual por la crítica hecha en América Latina. Comenzar este segundo artículo mencionando la histórica publicación, que recoge ensayos sobre artes visuales editada por Gerardo Mosquera hace exactamente treinta años, pone en valor también la vinculación que mantiene desde hace años el prestigioso historiador y crítico cubano con España. Que Mosquera (La Habana, 1945), cofundador de la Bienal de La Habana o curador del New Museum of Contemporary Art de Nueva York entre otros, tenga base intermitente en Madrid ha generado que su influyente visión se viera reflejada en curadurías, proyectos docentes y mesas redondas en territorio español tales como haber fungido como director artístico de PhotoEspaña del 2011 al 2013, sus clases magistrales en el máster de la Universidad de Navarra o la infinidad de veces que su genialidad ha podido ser escuchada en conferencias magistrales en distintas instituciones públicas y privadas entre escala y escala de su apretada agenda internacional.

Otro caso de agente fundamental a nivel intencional y con residencia en España es la inmensa artista Teresa Margolles (Ciudad Juárez, Culiacán, 1963). Desde el año 2009 esta trascendente creadora ha ido tomando pulso a la escena cultural española, tanto desde los espacios autogestionados por artistas como de las instituciones públicas de relevancia. Margolles estableció residencia intermitente en Madrid el mismo año en que tambaleó el sistema del arte en México al presentar el proyecto ¿De qué otra cosa podemos hablar? de la mano de Cuauhtémoc Medina, como representante de México en la Bienal de Venecia. Un proyecto que abarcó varias piezas, incluidas la intervención del pabellón que era trapeado con sangre de víctimas del narcotráfico de su país natal. Su inabarcable carrera anterior y posterior a esa fecha hace que sea meramente anecdótico señalar aquí algunos de los proyectos que ha hecho en territorio español, como cuando en 2014 expuso, El testigo en el CA2M de Móstoles con curaduría de María Inés Rodriguez que vivió un rato por aquí en la mítica época de Ferrán Barenblit (Buenos Aires, 1968). En ese proyecto se  incluyeron piezas tan brutales como PM 2010 (2012) que recopila cada una de las portadas publicadas durante 2010 en el periódico PM, uno de los diarios amarillistas de mayor circulación de Ciudad Juárez. El 2010 fue considerado por los observadores como un año particularmente violento al presentar el mayor índice de asesinatos, 3.075. En el 20 aniversario de PHE (PHotoEspaña) (2017), expuso su proyecto Pista de Baile en CentroCentro en el que denunciaba los abusos ejercidos a trabajadoras sexuales transgénero de Ciudad Juárez, por el también artista, Alberto García Alix.

Este 2025 fue comisionada para realizar la prestigiosa pieza pública The Fourth Plinth, en Trafalgar Square, Londres, que permanecerá hasta finales del año 2026 marcando un hito por ser la primera vez que esta pieza pública fue encargada a un artista latinoamericano.  Mil veces un instante, se compone de 726 máscaras de yeso de personas transgénero y no binarias de México y Reino Unido, en el que rinde homenaje a las víctimas de crímenes de odio inspirada en un tzompantli mesoamericano.

Hace apenas unas semanas que se inauguró una importante revisión de su trabajo en uno de los museos más importantes de Latinoamérica, el MARCO de Monterrey, con curaduría de Taiyana Pimentel (La Habana, 1967), su directora y que cuenta con al menos tres piezas de nueva producción brutales. Y hace tan solo 5 días la Akademie der Kuenste de Berlín ha comunicado que le ha concedido el prestigioso premio Käthe-Kollwitz 2026 que otorga a artistas cuyo trabajo esta atravesado por causas y temáticas como la destrucción, el desplazamiento, la discriminación, el sufrimiento y la violencia.

Cabe citar, –y eso enlaza con el artículo anterior en el que apuntaba la tesis de cómo los artistas latinoamericanos han cambiado de algún modo las maneras de hacer en arte, al menos en Madrid–, cómo Margolles ha articulado, con total generosidad y visibilidad, en un antiguo garaje convertido en espacio alternativo en el barrio de Usera, un espacio de visibilidad para creadores con menos trayectoria por juventud o por provenir de otros territorios.

Prácticas performativas y archivos sonoros: Maculan, Godínez y León

Valeria Maculan (Buenos Aires, 1968) y Gloria Godínez (Ciudad de México, 1979) se establecieron ambas en el mismo año, 2010, una en Madrid y la otra en Canarias. La artista argentina, creadora de Alimentación 30, un programa de intervención de un escaparate de una antigua tienda de alimentación en la calle Doctor Fourquet desde 2014  está representada por la galería Jorge López de Valencia y su obra está incluida en colecciones públicas y privadas españolas desde la mítica Oliva Arauna a la UHM. Obtuvo residencia Matadero y las ayudas de Vegap en el 21 y 23 respectivamente. En 2023 tuvo individual El lugar viendo en el espacio OTR curada por Claudia Rodríguez Ponga. El año pasado participó en el Artium de Vitoria con Prácticas performativas. Y este mismo otoño presentó el proyecto Lengua de Fuego para la Bienal B en Palma de Mallorca organizado por Es Baluard Museo, un instalación textil inmersiva que funciona como un dispositivo escénico donde también se plantean activaciones con varios performances y voces de corales locales. La artista destaca la importancia del cuerpo y la voz en vivo para la experiencia sonora.

La mexicana afincada en Canarias, Godínez es investigadora y artista especializada en Artes Vivas. Cursó  maestría en Filosofía en la UNAM (Premio Normand Sverdlin 2003) y el doctorado en Literatura y Teoría de la Literatura en la Universidad de Las Palmas de Gran Canaria. Este 2025 inauguró el ciclo de performances Visión y presencia en el Museo Thyssen con Rojo descolonial en la pintura de Vincent Van Gogh y lo cerraba a escasos 300 metros este 12 de diciembre con la brutal performance Profecías de Tonantzin en el ICME generando un vínculo no verbalizado con la intensa visibilidad de las culturas prehispánicas presentes en este fin de año en Madrid, mostrando los saberes ancestrales y las lenguas vivas en territorio mexicano. En estos 15 años viviendo en España ha desarrollado proyectos de investigación y artísticos sobre cuestiones decoloniales y la figura de la mujer en los procesos migratorios. Como Mareas Migratorias México, una intervención artística en la frontera sur de México con apoyo de la AECID desarrollado en 2010 y recientemente nuevas acciones de Rojo decolonial sobre la grana cochinilla en Casa Colón de Las Palmas.

Un año después llegaría la cubana Glenda León (Cuba, 1976) para instalarse en la capital con una beca de investigación de la AECID. De formación historiadora, esta artista ha deambulado entre la danza, el arte sonoro, el performance y el dibujo. Representada por Juana de Aizpuru durante años, –ahora hace parte del listado de la galería Max Estrella–, expuso mayoritariamente fuera de España aunque en 2015 mostró el proyecto Cada respiro en el Matadero, curado por Christian Domínguez. En 2019 presentó Mecánica Natural en la 13a Bienal de la Habana y más recientemente, en 2023,  Química Celeste, en el Museo Amparo de Puebla (México) con Diana Cuéllar de curadora –otra joven investigadora mexicana afincada en Madrid desde el 2012 y que también cierra el año con expo en co-curaduría con Rodrigo Gutierrez en Madrid. Actualmente Glenda León hace parte de la 24 Bienal de Arte Paiz, en Guatemala. Cabe citar que este año presentó La condición performática reeditado por Cendeac en la colección Infraleves a cargo de Fernando Castro, 25 años después de su primera edición, entonces censurada.

Prácticas objetuales: Hamilton, Kato y Dago Rodríguez

El chileno nacido por azar en Bélgica en 1974, Patrick Hamilton, llegó a España en 2014. En 2019 expuso en Tiempos incompletos: Chile, primer laboratorio neoliberal en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía junto a otro artista chileno Felipe Rivas San Martín en dialogo con la revuelta estudiantil feminista de mayo de 2018, proyecto que situaba el golpe de Estado de Pinochet como origen el neoliberalismo. Posteriormente fue incluido en la reformulación de la colección del citado Museo en la exposición Vasos Comunicantes en 2021. Ha expuesto El invernadero Rojo en el Conde Duque por invitación de la curaduría de David Barro, en su galería madrileña desde hace años, Casado Santapau. Su obra está en importantes colecciones públicas y privadas entre ellas en el Museo Reina Sofía, CA2M de Madrid, el MACBA de Buenos Aires, la Fundación Jumex de México o el Museo del Barrio en NY.

Jimena Kato (Lima, Perú, 1979) se formó en la Escuela Superior de Arte y Diseño de Marsella (ESADMM) en Francia, especializándose en escultura y video y estudios en arte y nuevos medios en la Sint-Lukas Hogeschool de Bruselas. Durante muchos años formó parte del grupo de artistas que conforman Nave Oporto en Carabanchel. Desde su llegada en 2015 ha participado en todos los espacios de validación de su generación. Con obra en la colección del CA2M desde el 2020, expuso en ese centro en el 2021 en la muestra Dialecto donde alrededor de 250 artistas ocuparon todos los espacios del centro. Magma, su su muestra individual en el espacio OTR en 2024, es la más completa en España, donde en una instalación inmersiva en tres niveles se entrelazaron lo geológico con lo biográfico y recogía trabajos fotográficos, esculturas y vídeos combinando la materialidad de su trabajo con una profunda reflexión sobre la memoria, el territorio y la formación de la identidad. Incluidas las exploraciones sobre sus raíces peruanas de ascendencia japonesa.

Dagoberto Rodriguez (Caibarién, Cuba, 1969) es graduado del prestigioso Instituto Superior de Arte (ISA), fundador del colectivo cubano Los Carpinteros en el 92, ha expuesto en el MoMA, Whitney Museum o el Guggenheim de New York, Centre Georges Pompidou de París, Tate Modern de Londres, entre otros. Tras la disolución del famoso colectivo en 2018, se trasladó a vivir a Madrid un año después. Su obra combina arquitectura, diseño y escultura, y recurre al humor y a la ironía para abordar problemáticas fundamentales del arte, la política y la sociedad. Dagoberto ha expuesto en nuestro país en espacios públicos y privados, desde el Centro Cultura Contemporánea Conde Duque con el proyecto Umbrales en 2022o en los últimos años expuso varios proyectos en varias galerías Weather Report en Sabrina Amrani, en 2021; o en 2024 Babel en la sede madrileña de Hilario Galguera. Fue el artista invitado en ARCO en el stand de El Mundo este año y desde hace un par de semanas expone en la Lonja de Pescado de Alicante Arquitecturas de la voz donde presenta varias de sus últimas series, entre ellas “Gimnasio de Pensamiento” donde presenta una gran jaula de crossfit como una gran biblioteca con autores que lo han acompañado desde García Lorca, Hannah Arendt o Dostoyevski. A la par de su presencia en territorio ibérico ha desarrollado proyectos en latinoamérica, entre otros, Retropia en el Museo de Arte y Diseño de Miramar (MADMI) en 2023 y desde su estudio ha realizado numerosas exposiciones colectivas facilitando la visibilidad a artistas jóvenes para afianzar su carrera como es el caso de su mujer Laura Lis Peña (La Habana, 1987).

Nuevas voces de mujeres  

Gin Ro (Georgina Rodríguez Ayala) (Ciudad de México,1986) estudió Diseño Industrial en la UAM-X y la Maestría en Artes Visuales en la UNAM. Llegó a España en 2017. Explora narrativas que hacen foco en lo invisible y lo marginado, a menudo investigando temas de migración, identidad, territorio y memoria. Obtuvo una residencia en Bilbao Arte cuyo resultado presentó posteriormente en Esquejes. Desplazamientos latinoamericanos en el Instituto de México en España en 2022. En ese proyecto recogía voces de mujeres migrantes narrando sus experiencias de migración latinoamericana en Madrid, su desarraigo y su identidad colaboración con colectivos como Territorio Doméstico. En ese mismo año expuso en Centro de Arte La Regenta el proyecto Oro Rojo en el que investigaba sobre la producción actual de grana cochinilla en Canarias; posteriormente se presentó en la XX Bienal de Fotografía del Centro de la Imagen, México.Tras una breve estancia en Madrid, ahora se encuentra afincada de nuevo en Bilbao.

Glenda Zapata (La Paz, Bolivia, 1982) estudió en la Academia Nacional de Bellas Artes de La Paz y Antropología Forense en el Instituto Profesional de Ciencias Forenses, en Madrid. Llegó a Madrid en 2017 y precisamente su primera muestra El silencio del porcino tuvo lugar en el espacio de Calle Ramón Luján a invitada por Teresa Margolles a quien hablar conocido en La Paz. El proyecto trataba del coste de la repatriación de los migrantes indocumentados bolivianos. Expuso individualmente el proyecto Pánico en el programa LZ46 a cargo de Ramón Mateos en Freijo Gallery en el año 2020. Desde el 2022 también expuso en varias ocasiones en el centro cultural de experimentación y documentación artística La Parcería y en el 2024, el resultado de su residencia en MicroMad en el espacio alternativo Cómplices.Tiempos subvertidos. Interferencias en el espacio/tiempo del museo es su última exposición colectiva que tiene lugar en el Museo de América de Madrid hasta marzo de 2026, una propuesta curatorial colaborativa donde presenta la pieza La mandíbula compuesta de dientes recolectados en distintos lugares de Latinoamérica. Cada uno lleva escrita una palabra formando un canto mortuorio en aymara.

Aborda temas relacionados con la violencia, el cuerpo, la memoria histórica y la justicia social, investigando casos de desapariciones y violaciones de derechos humanos en contextos sociopolíticos complejos, como los de su Bolivia natal.

Lorena Gutiérrez Camejo (La Habana, 1987) es una artista multidisciplinar que participó en 2012 en la XI Bienal de La Habana y desde que se afincó en Madrid en 2019 ha expuesto en estudios de artistas y también con una espléndida pieza Áurea Ignorantia, 2022 en la 2ª Bienal Iberoamericana de Toro. Se pudieron ver también tres instalaciones suyas en Idos de revoluciones junto a Maikel Sotomayor en una sede temporal de su galería Pan American Art Projects durante Apertura 2025. Las respectivas composiciones de sus piezas remiten a la cartografía de su país natal y plantean una puesta en crisis de los criterios totalizadores y por tanto reduccionistas impuestos desde el poder.

Hangar y el PEI en Barcelona como inicio de nuevos inicios en Cárdenes y Correa

Los programas de becas para formaciones superiores o para la creación artística entre universidades e instituciones han sido históricamente vías fundamentales para el flujo y desarrollo de distintas generaciones de artistas. No son los únicos, pero en estos dos últimos casos de estudio estas dos instituciones de Barcelona fungieron como lugar de destino para esa primera etapa de aterrizaje en la península ibérica. La residencia de Hangar, fundada en 1997, ya vimos en el artículo anterior, facilitó las condiciones de desarrollo, investigación y producción para algún artista mencionado. El PEI del MACBA (al igual que el Máster en Historia del Arte Contemporáneo y Cultura Visual del Reina Sofía en colaboración con la Universidad Complutense de Madrid y la Universidad Autónoma de Madrid como veremos en el tercer artículo) han sido también fundamentales para generaciones de curadores y artistas.

Ricardo Cárdenes (Ciudad de México, 1981) llegó a Barcelona en 2017 para cursar el mencionado Programa de Estudios Independientes (PEI), becado por el MACBA. Posteriormente estudió el Máster en Estudios Comparados de Literatura Arte y Pensamiento (Universitat Pompeu Fabra. Desde el año 2019 es colaborador en el Grup de Treball de Ràdio Web MACBA, desarrollando investigación, entrevistas, guión y edición de contenidos para los podcast del Museo. Este artista indisciplinario en cuanto a formas y medios de producción actualmente disfruta de la beca Hangar. En 2023 expuso A la deriva. Contranarrativas emocionales de la inmigración en La Capella, BCN. 

Claudio Correa (Arica, Chile, 1972) estudió en la Universidad de Chile (Licenciatura y Magíster en Artes Visuales) y ha sido académico en varias universidades. Llegó a Barcelona en 2018 gracias a una residencia en Hangar, donde expuso Espectros visibles, con la curaduría de Alexandra Laudo en el Castell. Después de 3 años se trasladó a Madrid donde expondría individualmente en Todo por la Praxis, y en 2022 en Nadie Nunca Nada No (Estruendos sin ira), Cruce (Calco de Luz) y el Festival Proyector. En 2023 obtuvo la Pollock-Krasner Foundation. Desarrolla dispositivos Ópticos, instalaciones con monedas y proyectores que magnifican rostros, creando "espectros" que cuestionan la identidad histórica y la naturaleza de la imagen, evocando la cámara oscura.

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Mónica Sotos es licenciada en BBAA por la UCM. De la práctica artística deriva a la práctica curatorial especializándose en creadores mexicanos a los que promueve desde la coordinación de artes visuales del ICME desde el año 2000. En los últimos 25 años ha desarrollado proyectos curatoriales y de gestión en torno a cuestiones de territorio y género estableciendo puentes hacia y desde Latinoamérica.

Ha curado exposiciones en el marco de festivales internacionales de fotografía, arquitectura, diseño y de género;  Ha desarrollado un programa de charlas con creadores, moderado mesas redondas, impartido clases y conferencias en varias ediciones del Máster de Gestión Cultural de la Fábrica, el programa Cultura Curada de la Universidad de la Comunicación (México), y en el Seminario de Estudios Latinoamericanos de la Universidad de Granada, entre otros. Actualmente es docente en el Máster MUPIA de la Universidad Miguel Hernández. Como gestora tiene más de 30 años de experiencia con alrededor de 400 exposiciones con más de 800 artistas en instituciones públicas y privadas.