Notas relacionadas con España

El universo videográfico de Jonathas de Andrade (Maceió, Brasil, 1982) no deja de ser una de las partes que conforman su producción artística. Importante, por supuesto, y complementaria a otros mundos que tejen el ideario e imaginario que entraña la obra y la persona del brasileño. Por esa razón, la selección de piezas exclusivamente audiovisuales que se ampara bajo el título Tiempo, sueño, olor, y que se muestra en el madrileño Centro de Cultura Contemporánea Condeduque, es una aproximación concisa, representativa y necesaria para acabar testificando una parte por el todo.

La artista multidisciplinar Bárbara Sánchez-Kane (Mérida, México, 1987) presenta ¿Cuántos ángeles caben en la punta de un alfiler?, la primera muestra individual de Collegium, centro de creación, investigación y exposición de arte contemporáneo que destaca por sus residencias y que con la exposición de la mexicana inaugura su vertiente museística. Todas las obras que integran esta propuesta, comisariada por José Esparza Chong Cuy, han sido producidas in situ y su despliegue en el espacio de la iglesia de San Martín permite que la exposición dialogue también con el espacio y su simbolismo e historia.

Ría, la primera exposición de Jorge Satorre (Ciudad de México, México, 1979) en España, puede abordarse como un compendio de la sublimación de sus ideas e investigaciones sobre los límites conceptuales y materiales de las diversas prácticas en las que ha estado involucrado. La muestra, comisariada por Max Andrews y la uruguaya Mariana Cánepa Luna para el Museo Centro de Arte Dos de Mayo, se concibe, pues, como un espacio de inmersión donde esas propias fronteras quedan diluidas en favor de una mayor observación hacia los procesos.

La Fundación Casa de México en España acoge, hasta la segunda semana de junio, una muestra esencial de los fondos la Colección Jumex, una de las colecciones de arte contemporáneo más relevantes de América Latina. Bajo el nombre de Éramos felices y no lo sabíamos, se recorre la actividad artística de la escena mexicana de los años 90 y propone una relectura de uno de los periodos más intensos del arte contemporáneo en México.

El Centro Botín, en Santander, acoge la exposición Maruja Mallo: máscara y compás, una muestra que reivindica, a través de una amplia selección de obras de sus épocas más relevante, la figura de Maruja Mallo (Vivero, España, 1902–Madrid, España, 1995). Esta muestra ahonda en el legado de la artista, una producción que, al igual que su persona, viene siendo objeto últimamente de revisiones y de propuestas de visibilización de su trayectoria para un mejor encaje en la historiografía.

La institución barcelonesa Palau Martorell acoge Fernando Botero. Un Maestro universal, la exposición más completa de pintura de las celebradas en España de las dedicadas a Fernando Botero (Medellín, Colombia, 1932 – Montecarlo, Mónaco, 2023). Esta muestra explora de manera detallada la trayectoria del colombiano y su destreza con diferentes técnicas pictóricas y el resultado en su producción. Las más de 110 obras expuestas incluyen esculturas, óleos, acuarelas, carboncillos, sanguinas y dibujo a lápiz procedentes de colecciones privadas, siendo muchas de las piezas inéditas.

Joana Vasconcelos (París, Francia, 1971) transita sobre esa delgada línea estética entre lo sobrecogedor y el exceso. La artista no esconde sus intenciones, nunca lo ha hecho, y si el recargado efecto de su obras es el deseado, la misión queda cumplida. Si estamos ante una producción de marcado carácter personal y con esa intención clara, el escenario solo puede ayudar a reverberar más el reto que a la calología le presupone la instalación de alguna de sus producciones.

Chile será el país invitado en la presente edición de PHotoESPAÑA. Por primera vez en su historia, el festival internacional incluye en su programación esta sección espacial, y cuatro grandes nombres de la fotografía chilena serán los protagonistas de esta iniciativa. La cita dedicará grandes exposiciones a Lotty Rosenfeld, Julia Toro, Michael Mauney y Martin Gusinde, muestras que podrán visitarse en distintas sedes entre Madrid y Santander y que permitirán al visitante acercarse a una producción marcada enormemente por la historia y la sociología del país.

La Fundación RAC presenta, en su sede en Pontevedra, Expedición camelias, herbolario de plantas artificiales, una individual de Alberto Baraya (Bogotá, Colombia, 1968) que tiene su origen en el programa de Residencia de Artistas que viene desarrollando esta fundación. La muestra presenta un conjunto de doce obras que muestran una investigación sobre la camelia, flor originaria de China y Japón que se ha consolidado como parte esencial del paisaje jardines y parques de la Galicia occidental.

El artista español reconocido por cuestionar las convenciones socioculturales y explorar las relaciones de poder inscritas en la imaginería urbana y el texto, presenta la exposición Muntadas Lugar Público en Brasil.

El Instituto Cervantes de Madrid acoge Roberto Fabelo. Grafomanía, una exposición que recoge medio centenar de obras Roberto Fabelo (Guáimaro, Cuba, 1951) relacionadas, mayoritariamente, con los mundos literarios y con el diálogo con otros artistas. En este sentido, en la muestra se dan cita junto al escritor colombiano Gabriel García Márquez, Miguel de Cervantes, Goya o El Bosco, referencias todas de gran impacto en la producción del cubano.

Antonio Pichillá (San Pedro de La Laguna, Guatemala) plantea un retorno generalizado a lo atávico y lo ancestral en su obra reciente, expuesta en las dos sedes que la galería Memoria posee en Madrid bajo el título de Abuela materna. Esta vuelta debe ser entendida en un concepto mucho más amplio que el de la construcción o defensa de una identidad originaria para poder abarcar la totalidad del sentido que el artista plantea a través de su trabajo.

En pleno desarrollo del centenario del surrealismo, o, por lo menos, desde lo que oficialmente se entiende por su inicio con la publicación del Primer Manifiesto del Surrealismo de André Bretón, en 1924, es realmente relevante acceder a una muestra del calado de 1924: Otros surrealismos, que expone Fundación MAPFRE en Madrid y que proseguirá por otras paradas. Y lo es por los puntos de vista centrífugos que recoge, dando protagonismo a la tesis de la expansión de las principales ideas oficiales -u oficialistas- más allá de las fronteras de Breton y otorgando una importancia máxima a Latinoamérica en la aceptación, producción y cooperación del movimiento.

Las terrazas del edificio Nouvel del Museo Reina Sofía se convierten en nueva sala del museo, y lo hace con una transformación completa y de carácter expositivo, donde, bajo el título Un orden distinto. Geometría utópica y arte cinético, se presentan dos obras escultóricas de Jesús Rafael Soto y de Edgar Negret, a la que se suma una tercera de Martín Chirino.

Elba Benítez, en Madrid, presenta, en colaboración entre Clarissa Bronfman y la Galería Elba Benítez, una imprescindible muestra de Jorge Pardo (La Habana, Cuba, 1963) en la que se expone una selección de obras diseñadas y realizadas ex profeso para el espacio de la galería. Incidiendo en la importancia de los espacios, el cubano despliega su habitual propuesta multidisciplinar para abordar sus aproximaciones a cómo el color y la textura influyen en la percepción. Para ello, la muestra se distribuye en áreas construidas con una doble función.

El Museo CAV La Neomudéjar encara los últimos días de exposición de Ecos del Vacío, el proyecto que desarrolló la cineasta y artista guatemalteca Verónica Riedel en la residencia artística en Kárstica Espacio de Creación, en la localidad conquense de Cañada del Hoyo.

El Instituto Cultural de México en España acoge la muestra de Cristóbal Ascencio (Guadalajara, México, 1988) Estrategias de recuperación, conformada por tres proyectos recientes del fotógrafo. A través de las series Las flores mueren dos veces (2021-2024), Palimpsesto (2024-2025) y Maíz (2023 – en curso), el mexicano explora los elementos y causas que crean distorsión y fragmentación en el recuerdo.

La galería Albarrán Bourdais, en su sede madrileña, acoge la muestra En movimiento, de Julio Le Parc (Mendoza, Argentina, 1928). Con cierto carácter de celebración, pues se trata de la primera individual que se le dedica al argentino en España en los últimos treinta años, la exposición recorre parte fundamental de la producción del maestro del arte cinético y op-art y lo hace con la selección de varias piezas que ilustran periodos clave.

La inquietud de cómo el entorno afecta, no solo al ser, sino también a la producción artística, entronca con el principio por el cual Édgar Calel (San Juan Comalapa, Guatemala, 1987) ha plasmado desde cero una propuesta única en la galería La Oficina. Sueños guardados en granos de maíz nos lleva a un momento de materialización concreto, pero se expande hacia todos los vértices con los que trabaja el artista, ahondando, sobre todo, en la importancia de lo ancestral, de la identidad y de la espiritualidad que se relaciona con el espacio.

La nevera en la sala es la disposición con la que Leandro Erlich (Buenos Aires, Argentina, 1973) replantea en Prats Nogueras Blanchard su visión sobre la percepción a través de la arquitectura y lo cotidiano. Este es un tema recurrente en el argentino; las obras expuestas en la sede madrileña de la galería no se corresponden a una producción nueva, sino a una primera exposición en público de una serie de obras que dialogan desde el realismo y la ilusión, y que se complementan con su emplazamiento y funcionalidad en el entorno.

El Museo La Neomudéjar acoge No hay más ciego que el que no quiere ver, una exposición individual de Marisa Caichiolo (Santa Fe, Argentina, 1974) en la que la artista propone una exploración y materialización del dolor y la ausencia a través de, principalmente, el bordado. Enraizando en sus experiencias personales, la argentina crea narrativas de resistencia y memoria instrumentales para afrontar los traumáticos episodios producidos, muchos de los cuales tienen su origen en las desapariciones forzadas.

ARCOmadrid 2025 llega a su final casi con tantas respuestas como preguntas. Por un lado, el concepto de feria, es decir, el lado comercial, se instala de manera definitiva y parece revertir la situación de hace ya algunos años donde la celebración de ARCO como punto de encuentro para el gran público parecía esencial. Ni mucho menos quiere decir que la cita no tenga entre su estrategia la atracción de un público que accede al arte contemporáneo, sino que plantea una doble fortaleza en dos líneas de trabajo muy claras: qué y cómo, lo que da por entendido que la tendencia creciente de atención al coleccionista y a las instituciones parece consolidada.

Con una participación intensiva de galerías, ARCO supone un punto interesante para medir cómo las propuestas llegan al visitante y al coleccionista. Las apuestas por los criterios estéticos o de venta crean sinergias que acaban abocadas a una representación más o menos circunstancial de cada catálogo. Desde Arte al Día, nos adentramos en diez de esos catálogos, ampliados a universos abigarrados, monográficos y diálogos que constatan un muestreo del enfoque de las galerías latinoamericanas en su paso por la feria madrileña.

La presencia latinoamericana en ARCO se consolida año tras año hasta vertebrarse como un hilo conductor primario, más allá de las propias tendencias del mercado, para pasar a constituir una parte muy fuerte de la identidad de la feria madrileña. En este sentido, las galerías participantes en los diversos programas plasman en sus propuestas nombres de calado, consagrados, y también apuestas más jóvenes o radicales que conforman un ecosistema en el cual poder analizar las diversas producciones.

La dirección ha confiado en el mexicano José Esparza Chong Cuy para la elaboración específica de Perfiles | Arte latinoamericano, un recorrido que aboga por resaltar, con diez nombres como agentes, la diversidad de opciones visuales para ofrecer, como indica el propio comisario, un «panorama amplio de cómo identificarse como artistas y hacer comunidad, proponiendo nuevas formas de hacer, pensar y vivir en conjunto».

María Wills (Bogotá, Colombia 1979) y Denilson Baniwa (Barcelós, Brasil, 1984) están al frente de Wametisé: ideas para un amazofuturismo, uno de los programas especiales comisariados para ARCO 2025 y que navega por la Amazonía y su creciente impacto en el arte contemporáneo. Esta propuesta propone un escenario de representación y diálogo a través de una selección de galerías y artistas invitados que plantearán, a través de sus obras y sus realidades, las distintas concepciones del mundo amazónico y las posibilidades de un futuro colectivo.

El madrileño Museo Reina Sofía, en colaboración con la Fundación Museo Reina Sofía, refuerza su creciente implicación y estrategia de divulgación y estudio del arte contemporáneo latinoamericano con la creación del Instituto Cáder de Arte Centroamericano (ICAC), dedicado a la investigación y difusión del arte centroamericano.

Intrincada entre la acción y el registro, El Apartamento acoge Algo deja quien se va, la primera exposición individual en España de Reynier Leyva Novo (La Habana, Cuba, 1983). Partiendo del concepto político de la memoria histórica y entroncándola con las cuestiones de poder y colonialismo, el artista despliega en dos series bien diferenciadas su propuesta de acercamiento a estas líneas, y extiende sus redes hasta el impacto (o la influencia) que estas tienen en el tejido institucional y cultural.

La intervención Wasi Llamkha (Lugar y tacto), de la artista Andrea Canepa (Lima, Perú, 1980), se levanta en el Patio Sur del Condeduque madrileño. Este pabellón, concebido como una estructura arquitectónica efímera, invita a explorar su valor sensorial, lejos de la preeminencia de lo visual, y reivindica, a modo de inspiración, los quipus, las formas de representación y registro de información del Perú precolombino.

El Museo Guggenheim de Bilbao acoge una muestra retrospectiva de Tarsila do Amaral (Capivari, Brasil, 1886 – San Pablo, Brasil, 1973) enfocada en su concepción y renovación de la pintura, así como en el reconocimiento de ser una de las figuras clave y más representativas de la entrada de los lenguajes pictóricos vanguardistas y modernizadores en América Latina. Nombre central del modernismo brasileño, su estilo se consagró como identidad propia, producto de sus anhelos y de sus vivencias, evocando tanto la temática indígena como los procesos modernizadores de un Brasil que se asomaba a una transformación constante.