Reseñas

Por Valentina Gutiérrez Turbay.

(PARTE 1)

En el corazón de San Felipe, un barrio en proceso de gentrificación al norte de Bogotá, hay un edificio en donde trabajan, dialogan y conviven más de 20 artistas de todas partes del mundo. Cada uno tiene su taller y hace parte de las actividades del programa curricular, que incluye encuentros con curadores, teóricos, líderes de comunidades indígenas y otros participantes. La residencia Escuela Flora, fundada por el curador José Roca en el 2016, ha convertido a Bogotá en el punto de encuentro para un diverso grupo de personas interesadas en el arte. Las razones por las que la eligen son muchas, pero todos coinciden en que esta experiencia en Bogotá representa un momento importante en su carrera. A continuación, les presentamos a algunos de los residentes de este 2018:

In the Dresden Series created for this exhibition at the Lowe Art Museum, Sebastian Spreng moves away from the lyrical paintings of the past that were inspired by the ethereal beauty of nature to a subject of serious historical import.  The Allied bombing of one of Europe’s most culturally significant and beautiful Baroque cities in February 1945 is a dark chapter in the story of war, and one that would be repeated in many horrific ways to this day.  To capture the essence of its tragedies, Spreng explores new media and new technologies to produce 60 digital prints created on his IPAD directly on aluminum.  Using photographs and computer manipulation of line and color that appear like ghostly shadows to scar painterly surfaces, Spreng turns to his lifelong love of music and poetry to inspire the many moods of war – from dark destruction to rays of light.  Each work is named a Canto, a reference to divisions in poetry and music derived from the Latin for song, and for him inspired by Dante’s Divine Comedy and his cantos about purgatory.  It is a perfect way for the artist to present the works as verses, approaching the series through mood.  They are also odes to remembrance and hope for the future.

En Loyola al 32,  en Villa Crespo, sobre el suelo de Hache se expande un universo de grafito en polvo, resina, papeles y objetos de carbón. Al entrar a la galería una serie de paneles negros absorbentes hacen de muro. Sin embargo, el muro es falso, mediante una curva, la estructura “gris topo”, como la describe Max Gómez Canle, curador de la muestra, nos deposita en la sala contigua donde Horizonte, la segunda obra de Elena Losón, se presenta como una constelación de objetos en una paleta monocromo. Un Muro Más Allá, de Elena Losón inauguró el marte 19 de junio en la Galería Hache de Buenos Aires.

Reseña, por Carlos Zevallos Trigoso

Una sensación que se percibe hoy en Lima, en especial entre artistas jóvenes, es que las actividades del mercado del arte no ofrecen suficiente estabilidad y que el trabajo necesario para construir una carrera personal está atravesado por factores poco transparentes. Es en este contexto que surgen iniciativas impulsadas por jóvenes, algunos de ellos artistas, donde se diseñan para sí mismos y sus pares algunas dinámicas que les permiten relacionarse con el mercado manteniendo mayor control y con expectativas mucho mayores que la de la circulación comercial. Dos casos significativos de esto son las galerías María y Crisis, proyectos con menos de un año y medio de actividades que se dirigen hacia el futuro con lecturas claras del contexto y sus necesidades.

En el 2014, la organización sin fines de lucro Wildlife Conservation Society invitó a doce artistas latinoamericanos a ingresar a la reserva Bahuaja Sonene ubicada al sur este del Perú. La idea del programa era, a través de la expresión artística, dar a conocer la reserva a la región para que se genere conciencia. Bahuaja Sonene es uno de los seis parques nacionales con más biodiversidad del planeta. Entre los poetas, músicos, cocineros y artistas plásticos invitados a representar este gran paisaje estaba Roberto Huarcaya, psicólogo, fotógrafo y artista peruano que lleva varios años experimentando con la noción de territorio desde su serie de panoramas Campos de Batalla.

Nueva reseña sobre El cuerpo de una Colección, la nueva muestra permanente de Fundación Klemm curada por Federico Baeza y Guadalupe Chirotarrab.

La noción de semejanza parece tener un referente claro en el contexto de la exhibición: remite al uso de la fotografía como reproducción, registro fiel de monumentos y de obras. Las connotaciones del segundo término son en cambio menos evidentes, aunque parecen apuntar a los instantes (¿o se trata, tal vez, de lugares?) en los que la semejanza aludida se detiene.    

Es un gesto sencillo localizar Ensayos de abertura, la exposición de Luciana Lamothe (1975) en las coordenadas de un retorno al orden que la crítica inclusive ha llegado a celebrar. 

“Imago Mundi” es la primera individual en Lima de la artista argentina Adriana Bustos, quien toma su título del tratado cosmográfico del geógrafo y teólogo Pierre d’Ailly, que empleara Colón en su viaje de descubrimiento. 

La exposición retrospectiva de un artista que atravesó el conceptualismo históriconos deja a veces la imagen de una colección de sitios enmudecidos, un repertorio de lugares vacantes. 

“Fragmentaria II” reúne siete piezas de distintas series del artista uruguayo Pedro Tyler ofreciendo un panoramasintético de su obra en su segunda individual en Lima.

Las propuestas de Daniel Boccato (Campinas, Brasil, 1991) indagan en la relación entre la abstracción y figuración y se basan en la investigación de las distintas formas discursivas que plantean lenguaje y forma, sugiriendootros fundamentos que establezcan un nuevo pensamiento con el que desafiar cualquier constricción. Todo esto se ve reflejado en Centinela, su última actuación y proyecto específico para el espacio Estudios de la vieja fábrica tabacalera de Madrid, donde sigue otra de las contantes de su producción: la ruptura de cualquier convención sobre formatos y el uso preferente de materiales y objetos de carácter industrial.

En su reciente exposición para la galería madrileña, Sandra Gamarra (Lima, Perú, 1972) vuelve a servirse del concepto de imposición del pensamiento occidental, canalizado a través de la apropiación de esa visión de cierto corte colonialista, incluso globalizador, en Latinoamérica. No obstante, la exploración de la percepción y asimilación cultural son, en cierta forma, temáticas de estudio habituales en su trayectoria. Para la ocasión, el espacio juega un papel fundamental para la comprensión de la propuesta. Ésta, aunque conformada por varias piezas, funciona como un único entorno en donde todo dialoga dentro del marco conceptual.

El Salón Mayor de la Usina del Arte guarda una imponente instalación del artista argentino Eduardo Basualdo, que podrá verse hasta el 22 de abril.

Cada nueva intervención que realiza Doris Salcedo (Bogotá, Colombia, 1958) reafirma el compromiso con la narrativa basada en la investigación de carácter histórico, habitualmente revestida de cierto revisionismo, que la artista ejerce desde hace años, sobre todo aquella enfocada en todo lo que rodea a la violencia política y lo que ella genera. Este es también el caso de Palimpsesto, la propuesta de carácter monumental que ha desarrollado en el Palacio de Cristal de Madrid y con el que rinde homenaje a las víctimas de una de las caras más dramáticas de la inmigración, la de aquellos que dejaron su vida arriesgándola a ciegas en el mar Mediterráneo.

La 14º Bienal de Arte Contemporáneo de Lyon acoge, bajo la égida de la comisaria invitada Emma Lavigne, una nebulosa de artistas que hacen eco de la inestabilidad de la época y promete ser tan poética como estar en contacto directo con su tiempo, a imagen de su principal exposición "Mundos Flotantes". 

Marinho esculpe, moldea, para buscar no sólo la forma que surge entre sus manos sino el vacío que va quedando, eso que no vemos tan fácilmente, pero que es tan real como lo que sí vemos, tan parte de su obra.

Bajo el título de De Nature en Sculpture, se podrá descubrir cómo la naturaleza es percibida por los artistas contemporáneos, a la vez fuente de inspiración y medio de expresión. Ya sea reproducida o bien real, la naturaleza se convierte aquí en escultura y viceversa. Jugando con nuestras emociones y sentimientos, los artistas convocan la naturaleza en todas sus formas y revelan a través de sus miradas las múltiples facetas de esta naturaleza, pacífica, tumultuosa, sublime y preocupante.

La exposición Surreptitious Stripes de Francisco Masó (La Habana, 1988) se presentó del 20 de julio al 19 de agosto en el espacio Connect Now Room de la Fundación Arts Connection, en Miami. 

Las imágenes de Candría sugieren el espacio de una lejanía que no sólo es geográfica sino temporal. Partiendo de una serie de registros captados en Islandia y California, la artista reconstruye las etapas de un recorrido que vaga en la memoria de la imaginación y el recuerdo. 

Slow Motion presenta las gestaciones más significativas del universo creativo de un artista que invita al espectador a dar una nueva mirada sobre el arte del movimiento.

Ananké Asseff continúa la investigación de algunos de los temas que han sido de su interés en trabajos anteriores y, especialmente, en la complejidad de las interacciones humanas y el lugar del individuo, con su equipaje de vivencias y memorias, dentro de ellas. 

Scar Cymbals es el mundo de Huanca desarrollado a través de un fluido diálogo entre el entorno y la arquitectura, la escultura y la performance.