Reseñas

Se edita en Caracas el catálogo razonado de los Coloritmos de Alejandro Otero, un volumen con más de trescientas páginas que ahonda por primera vez en un capítulo poco estudiado y de gran valor para el arte venezolano y latinoamericano del siglo XX.

Narciso plebeyo es el título elegido para la exposición de Pablo Suárez (1937-2006) curada por Jimena Ferreiro y Rafael Cippolini en el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA). De la parte hacia el todo, la figura mienta la instalación escultórica Narciso de Mataderos(1984-1985) y proyecta como clave para mirar el conjunto el retrato de una subjetividad, que en cada obra se imbrica con los pliegues de una historia social. En esos pliegues lo plebeyo aparece como programa de intervención en el sistema del arte y como torsión del canon artístico. El afecto biográfico de la exposición trasunta un trabajo de memoria colectiva llevado adelante por quienes lo conocieron y contribuyeron al espesor histórico de la muestra.  

Al ingresar a Delia Cancela. Reina de corazones, exposición curada por Carla Barbero en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, somos recibidos por una pintura de contornos curvos. Hacia adentro, grandes planos de colores primarios oprimen un rostro con ojos absortos; hacia afuera, esos planos empujan contra los bordes como una nube en el instante previo a perder su contorno. En Mujer y nubes de 1965 convergen la síntesis formal de una figura pin up y los efectos de la ensoñación anotados, con signos estereotípicos, por una conciencia camp. La pieza realizada en coautoría con Pablo Mesejean fue quizás elegida para la posición que ocupa por anudar tres líneas tenaces en la producción de Cancela: la cultura visual de masas, las representaciones de la femineidad y la fantasía visualizada como una fuerza en expansión.

La exposición On Air es la cuarta edición de la serie carte blanche que ofrece a los artistas seleccionados la oportunidad de apropiarse de todos los espacios de exposición del Palais de Tokyo, en París. Para la ocasión, Tomás Saraceno ha realizado su proyecto más grandioso hasta la fecha, que reúne algunas de sus principales obras, instalaciones e inéditas creaciones. Un proyecto interactivo que enlaza arte y ciencia y que hacen del Palais de Tokyo un lugar de experiencia sensorial única. Este propósito multidisciplinario continúa la investigación del artista sobre la relación entre humanos y no humanos. Un proyecto colaborativo y evolutivo diseñado para imaginar nuevas formas de habitar el mundo.

Colmada de obras y prototipos para su próxima exposición individual en el barrio de La Boca, la casa-estudio de Gonzalo Maggi en Villa General Mitre permanece oculta como un pequeño museo. Detrás de dos monitores, frente a la biblioteca, el joven artista argentino hace un recorrido por los distintos trabajos relevantes que ha ido realizando a lo largo de su carrera. Egresado de la Universidad del Cine hace ya casi una década, Maggi cambió el cine por la foto, pero sus procesos de producción tienen más de rodaje cinematográfico que cualquier otra cosa.

La Fondation Cartier explora a través de Géométries Sud, du Mexique à la Terre de Feu la diversidad del arte moderno en América Latina y enaltece la riqueza y variedad de los ornamentos, colores y figuras en el arte latinoamericano. Reúne cerca de 250 obras del período precolombino hasta las producciones más contemporáneas, abarcando el arte popular, arte abstracto, cerámica, escultura, arquitectura y cestería. Indaga las múltiples formas de la abstracción geométrica en América Latina, que se encuentran sus fuentes, en el arte precolombino, en las vanguardias europeas o en las culturas indígenas que aún viven.

Hasta el 25 de noviembre, en el sexto piso de un edificio empresarial de la Ciudad de Buenos Aires (Lenado N. Alem 928), está abierta al público una exposición colectiva sui generis dentro de la escena contemporánea argentina. Con la participación de diez de los artistas plásticos más destacados desde el año 2000 –Juan Becú, Florencia Bohtlingk, Laura Codega, Max Gómez Canle, Vicente Grondona, Máximo Pedraza, Tiziana Pierri, Déborah Pruden, Nahuel Vecino y Lorena Ventimiglia-, Le Le Lend inauguró hace dos semanas como una muestra auto-curada por ellos mismos.

Desde tiempos inmemoriales, el hilo ha fascinado e inspirado a artistas y poetas, y la mitología ha desarrollado y mostrado incesantemente sus misterios: el hilo de Ariadna, la cinta de Moebius...

El Museo de Arte Moderno (MAMBA) reabrió sus puertas en julio de este mismo año tras la significativa remodelación con una exposición realizada en forma conjunta con el Museum für Moderne Kunst  Frankfurt con el objetivo de repasar las colecciones modernas de cara una historia de arte global.

Juzgar una expresión artística no es fácil. Se trata de juzgar la subjetividad de otro dentro de la sensibilidad de uno. Por ende, el texto no es más que una opinión de otra opinión. Y la lectura de este no es más que la multiplicación de ese proceso. Así es como deberían leer esta reseña, porque de eso se trata, en definitiva, Sinapsis, la exposición individual que se lleva a cabo en OdA Espacio de Arte (Buenos Aires, Argentina).

Se pasea muy orondo por los márgenes del circuito mainstream de las ferias globales, el Mercado de Arte Contemporáneo - Córdoba, un acontecimiento anual que reúne a un conjunto de galerías, colectivos y colecciones en la segunda ciudad más importante de Argentina.

Durante la tarde de ayer, en Quimera Galería, ubicada en Güemes 4474 (Buenos Aires), Eric Markowski se apropia del espacio de la galería haciendo un monumento a una lata de carne. Como una gran sopa de letras, la exposición curada por Sebastián Vidal Mackinson busca reconstruir la historia y comprender sus procesos de construcción ciudadana a la hora de materializar la historia.

BAphoto 2018, la décimo cuarta edición de la feria especializada en fotografía latinoamericana que termina el domingo 9, tiene una convocatoria internacional y diversa haciendo hincapié sobre las distintas formas de abordar la exploración artística a través del medio. En el Predio Ferial de Buenos Aires La Rural, el pabellón Dr. Emilio Solanet está dividido en ocho secciones, cada una curada por un curador específico: Ana Luiza Fonseca para Photobook Tijuana, Alfredo Aracil para Fuera de Foco, Francisco Medail para Artista Homenaje, Florencia Portocarrero para Special Rooms, Mercedes Claus para Links Projects y Rodrigo Alonso para Videoprojects. 

BAphoto 2018, la décimo cuarta edición de la feria especializada en fotografía latinoamericana, tiene una convocatoria internacional y diversa haciendo hincapié sobre las distintas formas de abordar la exploración artística a través del medio. En el Predio Ferial de Buenos Aires La Rural, el pabellón Dr. Emilio Solanet está dividido en ocho secciones, cada una curada por un curador específico: Ana Luiza Fonseca para Photobook Tijuana, Alfredo Aracil para Fuera de Foco, Francisco Medail para Artista Homenaje, Florencia Portocarrero para Special Rooms, Mercedes Claus para Links Projects y Rodrigo Alonso para Videoprojects.

En los espacios de Cerquone Projects, en Caracas , más de 20 obras en mediano y gran formato realizadas por el artista plástico venezolano Yoshi durante los últimos siete años conforman la exposición Superficies Alteradas, bajo la curaduría de Lorena González Inneco y la museografía de Jean Nouel.

Después de casi tres décadas de trayectoria y reconocimiento internacional, el colectivo más importante de la escena Cubana se disuelve. Los Carpinteros, el duo integrado por Marco Antonio Castillo y Dagoberto Rodríguez anunció su separación.

El destacado historiador del arte John Berger fue el primero en notar, en el mismo año de la muerte del Che, en 1967, cuando se publicó la terrible imagen del fotógrafo boliviano Freddy Alborta por vez primera, su apabullante similitud con el Cristo muerto (1480-90) de Mantegna y con La lección de anatomía (1632) de Rembrandt. De acuerdo con Eduardo Grüner, con “la desaparición del cuerpo viviente” y con la posibilidad de imaginar al Che “más allá de la muerte,”[1] su imagen se instaló en el imaginario colectivo como una muy poderosa encarnación del mito del revolucionario, pleno de resonancias afectivas relacionadas con la figura de Cristo.

(PARTE 3)

En el corazón de San Felipe, un barrio en proceso de gentrificación al norte de Bogotá, hay un edificio en donde trabajan, dialogan y conviven más de 20 artistas de todas partes del mundo. Cada uno tiene su taller y hace parte de las actividades del programa curricular, que incluye encuentros con curadores, teóricos, líderes de comunidades indígenas y otros participantes. La residencia Escuela Flora, fundada por el curador José Roca en el 2016, ha convertido a Bogotá en el punto de encuentro para un diverso grupo de personas interesadas en el arte. Las razones por las que la eligen son muchas, pero todos coinciden en que esta experiencia en Bogotá representa un momento importante en su carrera. A continuación, les presentamos a algunos de los residentes de este 2018:

Al llegar la segunda mitad del año las distancias entre lo que fue y lo que es suelen reducirse a momentos de revisión constante que nos permiten esbozar lo que será, o al menos formar una expectativa de ello. En el arte venezolano, la mitad del año ha significado la posibilidad de presenciar el diálogo entre la complejidad y la contradicción propia de un país convulso, en el que pasado y futuro se interrelacionan para hablar en tiempo presente.

Por Valentina Gutiérrez Turbay.

(PARTE 1)

En el corazón de San Felipe, un barrio en proceso de gentrificación al norte de Bogotá, hay un edificio en donde trabajan, dialogan y conviven más de 20 artistas de todas partes del mundo. Cada uno tiene su taller y hace parte de las actividades del programa curricular, que incluye encuentros con curadores, teóricos, líderes de comunidades indígenas y otros participantes. La residencia Escuela Flora, fundada por el curador José Roca en el 2016, ha convertido a Bogotá en el punto de encuentro para un diverso grupo de personas interesadas en el arte. Las razones por las que la eligen son muchas, pero todos coinciden en que esta experiencia en Bogotá representa un momento importante en su carrera. A continuación, les presentamos a algunos de los residentes de este 2018:

In the Dresden Series created for this exhibition at the Lowe Art Museum, Sebastian Spreng moves away from the lyrical paintings of the past that were inspired by the ethereal beauty of nature to a subject of serious historical import.  The Allied bombing of one of Europe’s most culturally significant and beautiful Baroque cities in February 1945 is a dark chapter in the story of war, and one that would be repeated in many horrific ways to this day.  To capture the essence of its tragedies, Spreng explores new media and new technologies to produce 60 digital prints created on his IPAD directly on aluminum.  Using photographs and computer manipulation of line and color that appear like ghostly shadows to scar painterly surfaces, Spreng turns to his lifelong love of music and poetry to inspire the many moods of war – from dark destruction to rays of light.  Each work is named a Canto, a reference to divisions in poetry and music derived from the Latin for song, and for him inspired by Dante’s Divine Comedy and his cantos about purgatory.  It is a perfect way for the artist to present the works as verses, approaching the series through mood.  They are also odes to remembrance and hope for the future.

En Loyola al 32,  en Villa Crespo, sobre el suelo de Hache se expande un universo de grafito en polvo, resina, papeles y objetos de carbón. Al entrar a la galería una serie de paneles negros absorbentes hacen de muro. Sin embargo, el muro es falso, mediante una curva, la estructura “gris topo”, como la describe Max Gómez Canle, curador de la muestra, nos deposita en la sala contigua donde Horizonte, la segunda obra de Elena Losón, se presenta como una constelación de objetos en una paleta monocromo. Un Muro Más Allá, de Elena Losón inauguró el marte 19 de junio en la Galería Hache de Buenos Aires.

Reseña, por Carlos Zevallos Trigoso

Una sensación que se percibe hoy en Lima, en especial entre artistas jóvenes, es que las actividades del mercado del arte no ofrecen suficiente estabilidad y que el trabajo necesario para construir una carrera personal está atravesado por factores poco transparentes. Es en este contexto que surgen iniciativas impulsadas por jóvenes, algunos de ellos artistas, donde se diseñan para sí mismos y sus pares algunas dinámicas que les permiten relacionarse con el mercado manteniendo mayor control y con expectativas mucho mayores que la de la circulación comercial. Dos casos significativos de esto son las galerías María y Crisis, proyectos con menos de un año y medio de actividades que se dirigen hacia el futuro con lecturas claras del contexto y sus necesidades.

En el 2014, la organización sin fines de lucro Wildlife Conservation Society invitó a doce artistas latinoamericanos a ingresar a la reserva Bahuaja Sonene ubicada al sur este del Perú. La idea del programa era, a través de la expresión artística, dar a conocer la reserva a la región para que se genere conciencia. Bahuaja Sonene es uno de los seis parques nacionales con más biodiversidad del planeta. Entre los poetas, músicos, cocineros y artistas plásticos invitados a representar este gran paisaje estaba Roberto Huarcaya, psicólogo, fotógrafo y artista peruano que lleva varios años experimentando con la noción de territorio desde su serie de panoramas Campos de Batalla.