Reseñas

Esta exposición presenta trece fotografías de Gory de la serie Moonlight Serenade (2012-2018). El ensayo de la curadora Julia P. Herzberg analiza los variados contextos de las fotografías, que aquí se exponen y se discuten por primera vez.

Una de las obras clave de la 34ª Bienal de São Paulo ancla literalmente la presencia robusta e incómoda entre las zonas intersticiales de este edificio modernista, tan cuestionado hoy. Sin embargo, sus significados van más allá de los perímetros de la construcción y se extienden a, por ejemplo, algunas de las esculturas cívicas que pueblan lugares públicos de todo Brasil y que también se ubican en los alrededores.

Con la curaduría de Félix Suazo, Pinta Miami 2021 se convierte en un escenario de instalaciones inmersivas e intelectualmente estimulantes. El objetivo de la sección Special Projects es acentuar la individualidad y creatividad técnica de artistas contemporáneos que, a través de sus obras e instalaciones, dan vida a las inquietudes y posibilidades del futuro cercano.

Recientemente, Richard Garet, artista multimedia con sede principalmente en la ciudad de Nueva York, inauguró una exposición individual titulada "Frame Compositions" en 1stDibs NFT marketplace. La muestra exhibe 29 vibrantes obras NFT y explora la relación entre color, luz, superficie y forma. La práctica de Garet abarca instalaciones de sonido, performances, aplicaciones informáticas y otros medios. Siguiendo parámetros estrictos, crea composiciones seleccionando cuidadosamente fotogramas cuadrados de 1080 x 1080 píxeles de alta definición uno por uno y luego cotejando 60 por segundo utilizando aplicaciones informáticas. Debido a que cada obra contiene 1800 fotogramas comprimidos en un período de tiempo de 30 segundos, el ojo ya no puede identificar fotogramas individuales, creando así imágenes en movimiento.

“Transitando con gran fluidez entre la espiritualidad, la producción de visualidad, la reflexión académica y la acción política, Heráclito es explícito cuando dice que quiere ‘actuar, de manera simbólica, en las devastadoras consecuencias del racismo y la desigualdad social que afectan a las poblaciones negras’.” De esta manera, la curadora e investigadora Solange Farkas (Videobrasil y ex-MAM Bahía) resume el enfoque de la producción de Ayrson Heráclito, artista bahiano que ganó una retrospectiva en el MAR (Museo de Arte de Río) y que tuvo una importante muestra individual reciente en la galería Simões de Assis, en São Paulo.

Con el motivo de brindar homenaje a una de las fotógrafas que trabajó por construir la identidad visual argentina, Francisco Medail dedicó la sección Artista Homenaje en BAphoto a Lucrecia Plat. Trabajando con un extenso archivo de retratos, fotografías conceptuales y la colaboración de Clara Nerone, Medail da cuenta del importante rol del archivo en la concepción y valoración del arte contemporáneo.

Geometries Reimagined (Geometrías re-imaginadas) título de la exhibición inaugural del espacio Tanya Brillembourg Art, inquiere en el modo en que esa incesante transformación de las formas abstractas, imaginadas desde la prehistoria hasta hoy, se realiza de nuevo en las obras del colombiano Juan Raúl Hoyos, el guatemalteco tepeu choc, y el haitiano Marcus Blake. De modos diversos, los tres se enfrentan a la forma generadora de toda la corriente de la abstracción geométrica que, desde inicios del siglo XX, se impuso, según advirtió Rosalind Krauss, como la “imagen emblemática de la ambición modernista” [1]: la cuadrícula. Su presencia, explícita o tácita, sigue deshaciéndose y rehaciéndose incesantemente en el arte contemporáneo, y no es ajena a “la esquizofrenia”, que, como escribió también Krauss, se plantea entre su concentración en la materialidad de la superficie pictórica en sí misma, y la tensión espiritual que su mítica geometría contiene [2]. No es menor la oposición entre el “silencio discursivo” que se busca en la cuadrícula mediante la “completa liberación de las apariencias naturistas” [3], y la conversión paradójica de esa forma ─inexistente en la naturaleza─, en la matriz de la modernidad urbana: Mondrian acabó por crear Boogie Woogie, 1943, que alude al ritmo y la pulsante vibración neoyorquina.

En su primera exposición individual en el Deering Estate, Amalia Caputo reflexiona acerca de cómo percibimos el entendimiento de lo natural y lo explora a partir de un territorio que gira en torno a sistemas de clasificación visual. "Every Being is an Island" ("Cada ser es una isla”) es una muestra inmersiva que construye un subjetivo y amplio retrato del medioambiente subtropical natural del sur de la Florida.

Los flujos de arquitectura y circulación en continuo movimiento marcan la pauta para las nuevas obras encargadas e individuales del Instituto Inhotim que se presentan ahora. Son tres proyectos fruto de una casi inactividad de dos años, sin aperturas, en el inmenso espacio del centro cultural ubicado en Brumadinho, en el Gran Belo Horizonte, capital de Minas Gerais. Es una mezcla entre jardín botánico y refugio de obras de arte contemporáneo especialmente desarrolladas para la institución o que han sido reformateadas en este contexto expositivo especial que se extiende sobre una antigua finca, ahora con 140 hectáreas de visitación.

Lydia Rubio nació en La Habana, Cuba, con el arte en los huesos. Viene de tres generaciones de mujeres pintoras, para ser precisos. "Mi abuela pintaba todos los días, siempre que podía", recuerda Lydia. "Ella trabajaba en una oficina, pero pintaba en la sala de estar. Vivíamos todos juntos en familia, así que yo la veía pintar y me entrené visualmente. Mi prima, todo el mundo dibujaba y pintaba, pero yo fui la única que lo llevó. a otro nivel de desarrollo y compromiso ".

José Luis Landet busca desde hace años la imagen del paisaje latinoamericano. Y en la muestra El Atajo que presenta en Marco encuentra algunas maneras de aproximarse a esa idea. Construye rampas, une vestigios, desmenuza colores, traza identikits, junta imágenes al azar, crea un alfabeto... y termina por construir una idea total del paisaje nuestro, pero sobre todo de otro tema que también lo obsesiona: la pintura. Hay una gran instalación, un atajo físico, y un conjunto de 467 obras que apuntan a algo que queda claro en el subtítulo: un desplazamiento en el autor.

Hilos invisibles, la exposición individual de Evelyn Politzer en la Galería de Arte del Miami Dade College-Hialeah Campus, curada por Noor Blazekovic de Proyectos Irreversibles.

ArtMedia Gallery, Miami

En la 15° edición de Pinta Miami, a celebrarse del 1 al 5 de diciembre del 2021, Vivian Galban participará con su instalación Exhibición en Tiempo Real que consiste de una camera obscura a escala humana donde el visitante primero será retratado y luego invitado a participar en el proceso de revelado. A continuación se analiza brevemente tres obras de la artista y fotógrafa argentina a modo de introducción de su trabajo.

La experimentación del proceso, la desaparición del retratado y el instante invisible.

Las 322 piezas que componen Espíritos sem nome (Espíritus sin nombre), retrospectiva dedicada a la producción del bahiano Mario Cravo Neto (1947-2009) en la sede paulista del Instituto Moreira Salles, dan fe de su vigor como artista visual; con la robustez de su obra impregna soportes más allá de la fotografía, ya que produce piezas en lenguajes como el cine, el tridimensional, el dibujo y la edición, entre otros.

¿Es posible un manifiesto visual? ¿Cómo mostrar los diálogos posibles entre el arte y la educación? ¿Cuántas imágenes hay dentro de cada imagen? ¿Cuántas palabras hay dentro de cada palabra? ¿Qué hay entre? Con estos interrogantes, la artista argentina Marina De Caro nos introduce en su muestra Tierra de las emociones perdidas, en la galería Ruth Benzacar de la ciudad de Buenos Aires, que reúne su producción más reciente.

Siempre me han llamado la atención los artistas que tiene esa capacidad de  acercarse y distanciarse de la realidad, Ronald Morán, (salvadoreño) es uno de ellos; en este caso, nos ofrece un doble distanciamiento: el distanciamiento de una tradición mimética que recicla la realidad con imágenes repetidas hasta el vértigo y, por otro lado, el distanciamiento obligado por la pandemia del Covid 19.

Las narrativas de las vanguardias brasileñas en las artes pasan a través de una intensa revisión. Debido al centenario de la Semana de 22, el evento emblemático que en la tesis lanzó las bases de la modernidad a través de diferentes lenguajes y campos de actividad en el país, tres exposiciones hoy en día en cartelera giran y traen nuevos elementos de la producción de dos íconos del Modernismo en Artes Visuales - Tarsila Do Amaral (1886-1973) y Di Cavalcanti (1897-1976). Además, lanzan luces más enfáticas a tres personajes no tan famosos dentro de las idas que se encuentran y de los vientos modernistas: Antonio Gomide (1895-1967), John Graz (1891-1980) y Regina Gomide-Graz (1897-1973).

Probablemente todo aquel que se encuentre interesado en las artes visuales dentro del escenario latinoamericano, estará familiarizado con el trabajo de la artista chilena Paz Errázuriz. Su impresionante obra se caracteriza, por sobre todo, en trabajar, a través de la fotografía, temáticas vinculadas al olvido, la marginalidad y la exclusión, mostrando un particular interés en retratar aquellas personas que la sociedad, por diversos motivos, ha dejado de lado. Este año, Errázuriz tomó un espacio privilegiado en la 22ª Bienal de Arte Paiz Perdidos. en Medio. Juntos. y presenta durante los meses de mayo y junio una muestra individual titulada La grandeza del margen. De esta exhibición, me parecen especialmente notables la Serie Trans Guatemala (2020) y Sepur Zarco (2020), dos series inéditas en donde se evidencian problemáticas de gran contingencia.

Después de concluir su exposición retrospectiva en el Museo de Arte Miguel Urrutia, del Banco de la República, entre octubre y diciembre de 2020, la artista Beatriz González ha sido invitada a participar en la exposición “Otra energía: poder para seguir con el desafío”, en compañía de 15 mujeres artistas de amplio recorrido y diferentes nacionalidades, en el Museo Mori de Tokio (Japón). Aquí un resumen de su trayectoria artística.

“¿Pero qué mensajes nos dirigen estos artistas, en O Ventre da Terra? (...) Para ellos, la tierra no es una sola cosa. Ahora es patria y nación, a veces naturaleza y paisaje, a veces textura y materialidad , ahora origen ancestral y primigenio, ahora cementerio y destino final". La crítica de arte carioca Pollyana Quintella sintetiza los múltiples vectores a los que se puede dirigir el sugerente grupo de piezas presentes en la exposición colectiva de la galería Superfície, en São Paulo. No escapa a la atención de casi todas las mujeres en autoría y de la época en que fue concebida, la década de 1970, de marcado experimentalismo ante la represión de los años de plomo en el ámbito político, que aún duraría algún tiempo en los 80s.

No es la primera vez que al recorrer la obra de José Luis Landet me invade la sensación de que la perseverancia, la tenacidad y la insistencia de su proyecto poético apuntan a la realización de la obra de arte total.  Quizás sea por lo mayúsculo de su empeño o  por la amplitud del espectro de sus intereses pero la sensación a la que me refiero –que de todos modos también encuentra ecos en ciertas decisiones formales⎼ remite a una suerte de férrea voluntad de crear una única obra de arte que conjugue la síntesis de todas las demás.

Dagoberto Rodríguez (1969, Caibarién, Cuba) presenta Planeta de Cristal, su primera exposición individual en Miami, abierta recientemente al público. Esta recoge parte de su producción del año 2020 y confirma la vitalidad que conserva su ya larga y exitosa carrera que, con notable reconocimiento internacional, se ha extendido durante las pasadas tres décadas. El artista formó primero parte, hasta hace muy poco tiempo, del colectivo Los Carpinteros, y luego, desde 2017, trabaja y exhibe en solitario.