Reseñas

Los flujos de arquitectura y circulación en continuo movimiento marcan la pauta para las nuevas obras encargadas e individuales del Instituto Inhotim que se presentan ahora. Son tres proyectos fruto de una casi inactividad de dos años, sin aperturas, en el inmenso espacio del centro cultural ubicado en Brumadinho, en el Gran Belo Horizonte, capital de Minas Gerais. Es una mezcla entre jardín botánico y refugio de obras de arte contemporáneo especialmente desarrolladas para la institución o que han sido reformateadas en este contexto expositivo especial que se extiende sobre una antigua finca, ahora con 140 hectáreas de visitación.

Lydia Rubio nació en La Habana, Cuba, con el arte en los huesos. Viene de tres generaciones de mujeres pintoras, para ser precisos. "Mi abuela pintaba todos los días, siempre que podía", recuerda Lydia. "Ella trabajaba en una oficina, pero pintaba en la sala de estar. Vivíamos todos juntos en familia, así que yo la veía pintar y me entrené visualmente. Mi prima, todo el mundo dibujaba y pintaba, pero yo fui la única que lo llevó. a otro nivel de desarrollo y compromiso ".

José Luis Landet busca desde hace años la imagen del paisaje latinoamericano. Y en la muestra El Atajo que presenta en Marco encuentra algunas maneras de aproximarse a esa idea. Construye rampas, une vestigios, desmenuza colores, traza identikits, junta imágenes al azar, crea un alfabeto... y termina por construir una idea total del paisaje nuestro, pero sobre todo de otro tema que también lo obsesiona: la pintura. Hay una gran instalación, un atajo físico, y un conjunto de 467 obras que apuntan a algo que queda claro en el subtítulo: un desplazamiento en el autor.

Hilos invisibles, la exposición individual de Evelyn Politzer en la Galería de Arte del Miami Dade College-Hialeah Campus, curada por Noor Blazekovic de Proyectos Irreversibles.

ArtMedia Gallery, Miami

En la 15° edición de Pinta Miami, a celebrarse del 1 al 5 de diciembre del 2021, Vivian Galban participará con su instalación Exhibición en Tiempo Real que consiste de una camera obscura a escala humana donde el visitante primero será retratado y luego invitado a participar en el proceso de revelado. A continuación se analiza brevemente tres obras de la artista y fotógrafa argentina a modo de introducción de su trabajo.

La experimentación del proceso, la desaparición del retratado y el instante invisible.

Las 322 piezas que componen Espíritos sem nome (Espíritus sin nombre), retrospectiva dedicada a la producción del bahiano Mario Cravo Neto (1947-2009) en la sede paulista del Instituto Moreira Salles, dan fe de su vigor como artista visual; con la robustez de su obra impregna soportes más allá de la fotografía, ya que produce piezas en lenguajes como el cine, el tridimensional, el dibujo y la edición, entre otros.

¿Es posible un manifiesto visual? ¿Cómo mostrar los diálogos posibles entre el arte y la educación? ¿Cuántas imágenes hay dentro de cada imagen? ¿Cuántas palabras hay dentro de cada palabra? ¿Qué hay entre? Con estos interrogantes, la artista argentina Marina De Caro nos introduce en su muestra Tierra de las emociones perdidas, en la galería Ruth Benzacar de la ciudad de Buenos Aires, que reúne su producción más reciente.

Siempre me han llamado la atención los artistas que tiene esa capacidad de  acercarse y distanciarse de la realidad, Ronald Morán, (salvadoreño) es uno de ellos; en este caso, nos ofrece un doble distanciamiento: el distanciamiento de una tradición mimética que recicla la realidad con imágenes repetidas hasta el vértigo y, por otro lado, el distanciamiento obligado por la pandemia del Covid 19.

Las narrativas de las vanguardias brasileñas en las artes pasan a través de una intensa revisión. Debido al centenario de la Semana de 22, el evento emblemático que en la tesis lanzó las bases de la modernidad a través de diferentes lenguajes y campos de actividad en el país, tres exposiciones hoy en día en cartelera giran y traen nuevos elementos de la producción de dos íconos del Modernismo en Artes Visuales - Tarsila Do Amaral (1886-1973) y Di Cavalcanti (1897-1976). Además, lanzan luces más enfáticas a tres personajes no tan famosos dentro de las idas que se encuentran y de los vientos modernistas: Antonio Gomide (1895-1967), John Graz (1891-1980) y Regina Gomide-Graz (1897-1973).

Probablemente todo aquel que se encuentre interesado en las artes visuales dentro del escenario latinoamericano, estará familiarizado con el trabajo de la artista chilena Paz Errázuriz. Su impresionante obra se caracteriza, por sobre todo, en trabajar, a través de la fotografía, temáticas vinculadas al olvido, la marginalidad y la exclusión, mostrando un particular interés en retratar aquellas personas que la sociedad, por diversos motivos, ha dejado de lado. Este año, Errázuriz tomó un espacio privilegiado en la 22ª Bienal de Arte Paiz Perdidos. en Medio. Juntos. y presenta durante los meses de mayo y junio una muestra individual titulada La grandeza del margen. De esta exhibición, me parecen especialmente notables la Serie Trans Guatemala (2020) y Sepur Zarco (2020), dos series inéditas en donde se evidencian problemáticas de gran contingencia.

Después de concluir su exposición retrospectiva en el Museo de Arte Miguel Urrutia, del Banco de la República, entre octubre y diciembre de 2020, la artista Beatriz González ha sido invitada a participar en la exposición “Otra energía: poder para seguir con el desafío”, en compañía de 15 mujeres artistas de amplio recorrido y diferentes nacionalidades, en el Museo Mori de Tokio (Japón). Aquí un resumen de su trayectoria artística.

“¿Pero qué mensajes nos dirigen estos artistas, en O Ventre da Terra? (...) Para ellos, la tierra no es una sola cosa. Ahora es patria y nación, a veces naturaleza y paisaje, a veces textura y materialidad , ahora origen ancestral y primigenio, ahora cementerio y destino final". La crítica de arte carioca Pollyana Quintella sintetiza los múltiples vectores a los que se puede dirigir el sugerente grupo de piezas presentes en la exposición colectiva de la galería Superfície, en São Paulo. No escapa a la atención de casi todas las mujeres en autoría y de la época en que fue concebida, la década de 1970, de marcado experimentalismo ante la represión de los años de plomo en el ámbito político, que aún duraría algún tiempo en los 80s.

No es la primera vez que al recorrer la obra de José Luis Landet me invade la sensación de que la perseverancia, la tenacidad y la insistencia de su proyecto poético apuntan a la realización de la obra de arte total.  Quizás sea por lo mayúsculo de su empeño o  por la amplitud del espectro de sus intereses pero la sensación a la que me refiero –que de todos modos también encuentra ecos en ciertas decisiones formales⎼ remite a una suerte de férrea voluntad de crear una única obra de arte que conjugue la síntesis de todas las demás.

Dagoberto Rodríguez (1969, Caibarién, Cuba) presenta Planeta de Cristal, su primera exposición individual en Miami, abierta recientemente al público. Esta recoge parte de su producción del año 2020 y confirma la vitalidad que conserva su ya larga y exitosa carrera que, con notable reconocimiento internacional, se ha extendido durante las pasadas tres décadas. El artista formó primero parte, hasta hace muy poco tiempo, del colectivo Los Carpinteros, y luego, desde 2017, trabaja y exhibe en solitario.

La historia del arte de los últimos cincuenta años está aún por escribirse. Pero la muestra NEO POST, 50 años de pintura geométrica en la Argentina 1970-2020, es un buen acercamiento a un capítulo fundamental del arte argentino, en el Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires (MACBA). El conjunto de más de 80 artistas seleccionados por el curador Rodrigo Alonso deja entrever tendencias, matices, afinidades y diferencias entre creadores diversos, tanto históricos como Marcelo Bonevardi, Roberto Aizenberg, Kasuya Sakai y María Martorell, como artistas en plena actividad como Ernesto Ballesteros, Marta Minujín y Pablo Siquier. Como signo de estos tiempos, aparece la subjetividad del artista, libre de reglas, abierta a otras materialidades y formas. Ya no es preciso reaccionar con racionalidad a la ilusión, la ficción y el drama del arte figurativo. Todo es posible.

Las muestras, de las artistas Alexandra Colmenares y Rocío Gomez, se exhiben de manera online e incluyen material en audio, video, arte digital, fotografía y pintura. Creando un escenario que envuelve al espectador, la pantalla que los separa deja de ser una vidriera y se transforma en canal de conexión.

Un antiguo cuento oriental narra, con múltiples variantes, la historia de un pintor que, habiendo sido encarcelado por un poder arbitrario, se dedicó a pintar un detallado paisaje en los muros de la prisión. Día tras día los carceleros observaban la inutilidad de su empeño. Pero la noche en que lo terminó, mientras todos dormían, el artista prisionero entró en el paisaje y se perdió en él. Otra versión dice que pintó una puerta por la cual escapó junto con otros compañeros.  Spaced Out: Time is Art (Espaciado: el tiempo es arte) curado por Adriana Herrera en la galería Art Factory Project reúne un grupo de pinturas, fotografías, collages, esculturas y otras obras tridimensionales creadas durante la pandemia por 21 artistas de diversas nacionalidades residentes en Miami. El diálogo entre múltiples visiones que configuran distintas puertas de salida reafirma la posibilidad de contraponer la libertad de la imaginación artística a la atmósfera opresiva del presente.

Arman. Percepción Conceptual, la primera exhibición individual en Miami del legendario artista franco-americano cofundador del “Nouveau Réalisme” (Nuevo Realismo), es el resultado de una confabulación, digna de aplauso, entre la galería Ascaso y Corice Canton, viuda y fideicomisaria del Arman Marital Trust y su vasto legado.

La exposición que se lleva a cabo en el Matadero Madird es el resultado de diez años de trabajo que el artista italiano Armin Linke (Milán, 1966) ha desarrollado en colaboración con Giulia Bruno y Giuseppe Ielasi con el objetivo de configurar una antropología visual en torno a la actividad política, económica y tecnológica y las consecuencias que estos procesos tienen en los ecosistemas planetarios.

David Magán inauguró en el espacio de la Galería Cayón los proyectos Hard-line y Light Object.  Por un lado, una serie de trabajos escultóricos que funcionan como una sola obra y que profundizan en el vínculo de Magán con el uso de la línea. Por el otro, una instalación realizada especialmente para el segundo espacio que propone poner de manifiesto la materialidad de la luz a través del color aditivo (la composición cromática mediante la superposición del rojo, azul y verde). 

Poner los patrimonios y los acervos históricos en diálogo con producciones contemporáneas resulta una lúcida estrategia no sólo para visibilizar esos acervos, muchas veces relegados a los depósitos de obra, sino para revisar ciertas genealogías de la historia del arte y para actualizar y refrescar sus narrativas que no en pocas ocasiones se han construido en torno a disciplinas y categorizaciones dogmáticas.

Después de una visita a Infinito Vão, una de las sensaciones predominantes es que lo mejor de la arquitectura brasileña siempre viene a dúo con una presencia expresiva de las artes visuales, tanto en los tiempos modernos como en estos tiempos conflictivos. La exposición, subtitulada 90 años de arquitectura brasileña y comisariada por Fernando Serapião y Guilherme Wisnik, tiene su sede en la Sesc 24 de Maio, emblemática de Paulo Mendes da Rocha, uno de los dos Pritzkers nacidos en el país.