Reseñas

Después de concluir su exposición retrospectiva en el Museo de Arte Miguel Urrutia, del Banco de la República, entre octubre y diciembre de 2020, la artista Beatriz González ha sido invitada a participar en la exposición “Otra energía: poder para seguir con el desafío”, en compañía de 15 mujeres artistas de amplio recorrido y diferentes nacionalidades, en el Museo Mori de Tokio (Japón). Aquí un resumen de su trayectoria artística.

“¿Pero qué mensajes nos dirigen estos artistas, en O Ventre da Terra? (...) Para ellos, la tierra no es una sola cosa. Ahora es patria y nación, a veces naturaleza y paisaje, a veces textura y materialidad , ahora origen ancestral y primigenio, ahora cementerio y destino final". La crítica de arte carioca Pollyana Quintella sintetiza los múltiples vectores a los que se puede dirigir el sugerente grupo de piezas presentes en la exposición colectiva de la galería Superfície, en São Paulo. No escapa a la atención de casi todas las mujeres en autoría y de la época en que fue concebida, la década de 1970, de marcado experimentalismo ante la represión de los años de plomo en el ámbito político, que aún duraría algún tiempo en los 80s.

No es la primera vez que al recorrer la obra de José Luis Landet me invade la sensación de que la perseverancia, la tenacidad y la insistencia de su proyecto poético apuntan a la realización de la obra de arte total.  Quizás sea por lo mayúsculo de su empeño o  por la amplitud del espectro de sus intereses pero la sensación a la que me refiero –que de todos modos también encuentra ecos en ciertas decisiones formales⎼ remite a una suerte de férrea voluntad de crear una única obra de arte que conjugue la síntesis de todas las demás.

En febrero de 2021, la casa de subastas Christie’s vendió una obra digital de Mike Winkemann, conocido popularmente como Beeple, en la suma de 69,3 millones de dólares, convirtiendo al casi desconocido autor en el tercer artista vivo más cotizado del mundo, después de David Hockney y Jeff Koons. La noticia estremeció a la escena artística. No sólo por el exorbitante monto conseguido por Everydays: The First 5000 Days (2021) – la obra en cuestión – sino, principalmente, por su naturaleza inmaterial y por las implicancias del acontecimiento en una posible reconfiguración del sistema del arte y de algunos de sus valores más establecidos.

Dagoberto Rodríguez (1969, Caibarién, Cuba) presenta Planeta de Cristal, su primera exposición individual en Miami, abierta recientemente al público. Esta recoge parte de su producción del año 2020 y confirma la vitalidad que conserva su ya larga y exitosa carrera que, con notable reconocimiento internacional, se ha extendido durante las pasadas tres décadas. El artista formó primero parte, hasta hace muy poco tiempo, del colectivo Los Carpinteros, y luego, desde 2017, trabaja y exhibe en solitario.

La historia del arte de los últimos cincuenta años está aún por escribirse. Pero la muestra NEO POST, 50 años de pintura geométrica en la Argentina 1970-2020, es un buen acercamiento a un capítulo fundamental del arte argentino, en el Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires (MACBA). El conjunto de más de 80 artistas seleccionados por el curador Rodrigo Alonso deja entrever tendencias, matices, afinidades y diferencias entre creadores diversos, tanto históricos como Marcelo Bonevardi, Roberto Aizenberg, Kasuya Sakai y María Martorell, como artistas en plena actividad como Ernesto Ballesteros, Marta Minujín y Pablo Siquier. Como signo de estos tiempos, aparece la subjetividad del artista, libre de reglas, abierta a otras materialidades y formas. Ya no es preciso reaccionar con racionalidad a la ilusión, la ficción y el drama del arte figurativo. Todo es posible.

Las muestras, de las artistas Alexandra Colmenares y Rocío Gomez, se exhiben de manera online e incluyen material en audio, video, arte digital, fotografía y pintura. Creando un escenario que envuelve al espectador, la pantalla que los separa deja de ser una vidriera y se transforma en canal de conexión.

Un antiguo cuento oriental narra, con múltiples variantes, la historia de un pintor que, habiendo sido encarcelado por un poder arbitrario, se dedicó a pintar un detallado paisaje en los muros de la prisión. Día tras día los carceleros observaban la inutilidad de su empeño. Pero la noche en que lo terminó, mientras todos dormían, el artista prisionero entró en el paisaje y se perdió en él. Otra versión dice que pintó una puerta por la cual escapó junto con otros compañeros.  Spaced Out: Time is Art (Espaciado: el tiempo es arte) curado por Adriana Herrera en la galería Art Factory Project reúne un grupo de pinturas, fotografías, collages, esculturas y otras obras tridimensionales creadas durante la pandemia por 21 artistas de diversas nacionalidades residentes en Miami. El diálogo entre múltiples visiones que configuran distintas puertas de salida reafirma la posibilidad de contraponer la libertad de la imaginación artística a la atmósfera opresiva del presente.

Arman. Percepción Conceptual, la primera exhibición individual en Miami del legendario artista franco-americano cofundador del “Nouveau Réalisme” (Nuevo Realismo), es el resultado de una confabulación, digna de aplauso, entre la galería Ascaso y Corice Canton, viuda y fideicomisaria del Arman Marital Trust y su vasto legado.

La exposición que se lleva a cabo en el Matadero Madird es el resultado de diez años de trabajo que el artista italiano Armin Linke (Milán, 1966) ha desarrollado en colaboración con Giulia Bruno y Giuseppe Ielasi con el objetivo de configurar una antropología visual en torno a la actividad política, económica y tecnológica y las consecuencias que estos procesos tienen en los ecosistemas planetarios.

David Magán inauguró en el espacio de la Galería Cayón los proyectos Hard-line y Light Object.  Por un lado, una serie de trabajos escultóricos que funcionan como una sola obra y que profundizan en el vínculo de Magán con el uso de la línea. Por el otro, una instalación realizada especialmente para el segundo espacio que propone poner de manifiesto la materialidad de la luz a través del color aditivo (la composición cromática mediante la superposición del rojo, azul y verde). 

Poner los patrimonios y los acervos históricos en diálogo con producciones contemporáneas resulta una lúcida estrategia no sólo para visibilizar esos acervos, muchas veces relegados a los depósitos de obra, sino para revisar ciertas genealogías de la historia del arte y para actualizar y refrescar sus narrativas que no en pocas ocasiones se han construido en torno a disciplinas y categorizaciones dogmáticas.

Después de una visita a Infinito Vão, una de las sensaciones predominantes es que lo mejor de la arquitectura brasileña siempre viene a dúo con una presencia expresiva de las artes visuales, tanto en los tiempos modernos como en estos tiempos conflictivos. La exposición, subtitulada 90 años de arquitectura brasileña y comisariada por Fernando Serapião y Guilherme Wisnik, tiene su sede en la Sesc 24 de Maio, emblemática de Paulo Mendes da Rocha, uno de los dos Pritzkers nacidos en el país.

Nota de opinión y reseña sobre las muestras PDF y #OPENCALL en Abrir Galería, proyecto online fundado en Perú.

En la 4º planta del Edificio Sabatini del Museo Reina Sofía (Madrid, España), un proyecto colaborativo gestionado por la FALFAA (Fundación Augusto y León Ferrari Arte y Acervo) y el Museo Reina Sofía presenta La Bondadosa Crueldad-León Ferrari, 100 años. En el marco del centenario aniversario de León Ferrari (Buenos Aires, 1920-2013) la exposición tiene como objetivo resaltar en el continente europeo el trabajo de una de las figuras más importantes de la escena internacional a partir de los años 60 hasta su muerte.

¿Qué significa para una galería que una obra sea adquirida por un museo?

La mentira como instinto natural de la fotografía.

Si hay un verbo que conjuga el inclasificable arte de Rivane Neuenschwander es la capacidad de involucrar. Una poética cíclica de la interacción anima el amplísimo espectro de obras que suspenden las convenciones del tiempo y del espacio, y la red de esquemas a partir de las cuales construimos un lugar en el mundo, a menudo separados por categorías preestablecidas.

20 años después de la primera exhibición en Estados Unidos de Do Ho Suh, la galería Lehmann Maupin, que lo acompañó en ese entonces y hasta el día de hoy, presenta una exhibición digital en complemento a la exhibición física.

Presentado junto con The55Project, The Undercurrent (La Subcorriente) revisita la serie en curso de Prado “Measure of Dispersion" (Medida de dispersión), exhibida por última vez en el Jardim Botânico do Rio de Janeiro, Brasil en 2017.

Abierta hasta el viernes 27, la muestra TRANSVERSAL es un cruce entre arte, ciencia y tecnología, un encuentro entre lo perceptual y lo filosófico, más allá de lo puramente técnico.