Reseñas

Para uno de sus trabajos más recientes, titulado O levante (El levante/El levantamiento), 2012, cuyo material en bruto está aún en proceso de ser estructurado para darle un formato definitivo, Jonathas de Andrade organizó la 1a Carrera de Carros en el centro de la ciudad de Recife, donde vive.

Esta no es una muestra usual de Miguel Rio Branco. Mientras que el artista ha explorado la sexualidad femenina en contextos más o menos explícitos a lo largo de toda su obra, ya sea en su febril exploración de burdeles en Salvador, o su representación de colegialas descaradas de Tokio, el artista indagó más profundamente en la idea de la femineidad y el erotismo femenino en su muestra más reciente en la Galería Millan, en San Pablo.

“Other impertinences”, la más reciente muestra personal de Ana Tiscornia, (nacida en Uruguay en 1951 y residente en nueva York desde 1991) continúa su inveterado diálogo con la memoria y el olvido, por otras vías.

Fuera de alcance es una idea que recorre las obras más recientes de Rivane Neuenschwander. Luego de su exposición individual en el New Museum de Nueva York, donde la artista hizo trizas una pared en busca de micrófonos ocultos, su nueva serie de piezas actualmente en exhibición en el espacio expositivo de Fortes Vilaça en un galpón en San Pablo, parece avanzar aún más en la idea de alcanzar aquello que es difícil de obtener.

Este otoño, la Galería Sicardi presenta “Not Space Nor Time” (Ni espacio ni tiempo), la primera exposición en Estados Unidos del artista uruguayo Pedro Tyler. Las obras que se exhiben en esta muestra encarnan una reflexión sobre el arte y la muerte.

La muestra más reciente de Teresita Fernández, “Night Writing ” (“Escritura nocturna”) es una evolución natural de su práctica artística más amplia que se ha enfocado desde hace ya algunos años en los recursos naturales del mundo como su tema central, desde Bamboo Cinema, 2001, en colaboración con Public Art Fund, hasta Fire, 2005, adquirida por el Museo de Arte Moderno de San Francisco, y Stacked Water, 2009, una instalación exhibida en el Museo Blanton.

La apertura de un espacio dedicado a la escultura es un acontecimiento bastante raro en Francia. La decisión de Daniele Marcovici y Fourtine Tristán de crear en Isle-sur-la-Sorgue, cerca de Avignon, una fundación especializada en la escultura contemporánea, en la diversidad y la evolución de este medio artístico cuya riqueza se corresponde con su multiplicidad, fue recibida con beneplácito.

En la historia del arte, el comienzo del movimiento cinético tiene lugar en París -1955-, con la exposición mítica “Le Mouvement” organizada en la galería Denise René; dato incuestionable que marca el origen de un movimiento que reúne artistas europeos y sudamericanos.

Lucas Di Pascuale (Córdoba, Argentina, 1968) llamó la atención cuando comenzó a instalar gigantescas versiones en hierro de (la palabra) López (2007-2011), incluso en el frente del Centro Cultural de España en Buenos Aires.

Repasando los senderos recorridos por esa variabilidad especulativa que ha ido formando la obra siempre en curso de Julieta Aranda, podría avanzar que nos perderíamos en simplificaciones, y acabaríamos por malentender su movimiento y su empuje, si nos proponemos enmarcar esta obra en un momento, o tratamos de abordarla como si se tratara de una flecha que inmovilizamos en medio de su trayectoria de vuelo.

Como todos los días desde hace ya setenta años, Gyula Kosice empieza su jornada en el taller, hoy compartido con un museo que recorre su extensa trayectoria artística.

El arte es una excelente plataforma desde la cual experimentar con la narración, ya que en él los lenguajes y su lectura se modifican constantemente. Cada artista altera la concepción sobre qué es una obra de arte, qué es lo que se cuenta o cómo se recibe.

Causó sorpresa en la escena porteña la obra de Ana Sacerdote (Roma, 1925), artista casi desconocida aquí que emigra a la Argentina cuando el fascismo hizo estragos en Italia.

En la oscuridad, Theo Craveiro nada hacia una orilla lejana. Es de noche, y lo único visible en la distancia son tenues puntos de luz que parpadean a lo largo de un frágil horizonte.

Como los antiguos pintores viajeros, Matías Duville (1974) relata sus indagaciones sobre el paisaje a través de medio centenar de dibujos, un video, un objeto y unas fotografías que se proyectan acompañadas por una banda sonora. La muestra se llama «Safari».

Los situacionistas llamaron détournement a una práctica artística que consistía en tomar una mercancía y transformarla en un objeto artístico, de forma tal que se negara a sí misma como mercancía y, por lo tanto, subvirtiera el imperativo de consumir que caracteriza al capitalismo contemporáneo.

El artista argentino Horacio Zabala inauguró “Reiteraciones” , su primera muestra individual en la galería Henrique Faría Fine Art, con una investigación sobre actos de censura y la forma en que éstos afectan las relaciones de las personas con su entorno y su nacionalidad.

“Fronteras porosas” , de Marcela Astorga (Mendoza, 1965), despliega ocho piezas que incluyen objetos escultóricos y un par de fotografías, congelando momentos de intrigante lectura.

En su primera exposición individual en Estados Unidos, “Justificación a priori”, presentada en The Mission Projects en Chicago, el artista argentino Gustavo Díaz (n. 1969) logró un exitoso entrecruzamiento entre su visión esotérica sobre la ciencia, la filosofía y la historia del arte y sus esculturas de acrílico transparente, sus relieves modulares futuristas y sus vibrantes dibujos ópticos, deslumbrantes a la vista.

Henrique Oliveira es conocido por sus instalaciones que transforman el espacio que las rodea. Son formaciones de madera que parecen inspirar y espirar, bultos orgánicos que desafían la naturaleza linear de la arquitectura y reinventan construcciones. Paredes, pisos y techos sucumben a esta nueva lógica, una presencia material imposible de ignorar.

Con un cuerpo conceptualmente potente y un alma profundamente subversiva y antisistema, la muestra "Instrucciones para destruir dinero" de Pablo Boneu (1969, Argentina) es una oportuna metáfora sobre la jerarquía del dinero. Un tema totémico reflejado en gran tamaño con dólares u otras monedas trituradas.

“Une Saison en Enfer”, (Una estación en el infierno), la exhibición de José Bedia en Fredric Snitzer Gallery, toma su nombre del extenso y único poema del poeta maldito Arthur Rimbaud, y marca el más penoso viaje de descenso de este artista que ha basado su práctica en el peregrinaje hacia territorios donde los mitos se contraponen a las narrativas de la historia oficial.

En 2005, Brígida Baltar tuvo que dejar su casa en el barrio de Botafogo, en Río de Janeiro. Durante los quince años anteriores, la artista había vivido y trabajado casi en una simbiosis con la vieja construcción de ladrillos, al punto de excavar la forma de su cuerpo en las paredes, para la obra Abrigo (1996), o recoger el agua de las goteras para luego utilizarla en otras obras.

Ana Tiscornia (Montevideo, 1951) es una figura central de la comunidad de artistas latinoamericanos radicados en Nueva York. Ha desarrollado un trabajo muy personal y consistente, situado a caballo entre la práctica artística, la crítica, la curaduría y la pedagogía.