Reseñas

El primero de agosto, el artista Nicolás Lobo y el desarrollador de software Dylan Romer lanzaron Purple-Goo, una aplicación para Iphone y Ipad que prolonga sonidos. La misma permite que los usuarios extiendan la duración de una canción 100 mil veces.

Las tensiones políticas entre Argentina y Uruguay debido a la instalación de una planta papelera sobre el río limítrofe representan lo peor de la civilización rioplatense: contaminación, agravios antifraternales, y malestar.

Para muchas de las personas que hacen parte del campo del arte, el primer proyecto artístico que Nicolás Paris inscribió públicamente en el mundo fue el libro Doblefaz, de 2008.

Como práctica general, Martínez Celaya crea imágenes con las que desearíamos compenetrarnos, pero no podemos. Un niño solitario se encuentra de pie en una pradera. Centellean relámpagos contra el fondo de un cielo oscuro y tormentoso.

Desde que el neoconcretismo inundara el mercado internacional del arte, el mundo pareciera haber olvidado a su precursor. La relevancia histórica de Waldemar Cordeiro, fundador del movimiento concreto en San Pablo, está siendo actualmente redimensionada a través de una amplia retrospectiva presentada en el Itaú Cultural, una sede en el corazón de la ciudad donde creara el Movimiento de Ruptura.

Patricia Belli (Nicaragua, 1964) explora la índole incierta de la existencia a través de instalaciones con máquinas que dibujan patrones de movimiento y objetos que reflejan la frágil construcción del equilibrio.

¿Qué se siente ser un artista salvadoreño embarcado en una carrera internacional, con una práctica artística arraigada en nociones y experiencias ligadas a la tierra natal?

Haciendo referencia a la máxima "a la manera del artista", que significa que el trabajo realizado no es la obra del artista X ', sino que el trabajo está hecho como una copia de, o en el estilo del, artista X', cinco artistas mexicanos, Mauricio Limón, Quirarte y Ornelas, Omar Rodríguez-Graham, Moza Saracho y Marela Zacarías, reflexionan sobre lo que es el objeto artístico en el mundo del arte contemporáneo.

La conquista de la tierra a cielos abiertos parece ser el punto de partida de las reflexiones que propone la actual exposición de Eduard Moreno en NC Arte, la cual cuenta con la curaduría de Conrado Uribe.

Las obras de este artista son, de algún modo, una oda a la inestabilidad. En escalas de grises y con una estética minimalista, Lais Myrrha investiga el síndrome que corroe a Brasil desde el comienzo de su proyecto de nación.

Este proyecto en tándem se planteó a través del diálogo de ciertos cuerpos de la obra de dos artistas venezolanos de distintas generaciones: Eugenio Espinoza (n. 1950) y Andrés Michelena (n. 1963).

A pesar de que no existe una conexión directa con la narración de la novela original de William Burroughs Junky, existen similitudes conceptuales relacionadas con la noción de supervivencia que Julián Navarro (artista / curador,) utiliza como metáforas para describir la creación artística.

“De mil flechazos herido ”, en alusión a un poema de Manuel González Prada, es el título del proyecto de intervención que presenta Cecilia Paredes en el Museo Pedro de Osma de Lima.

Entre el 2 de marzo y el 13 de abril, Julián Navarro presentó la muestra “Richard Garet: Extraneous to the Message” en el Mandragoras Art Space en Long Island City, NY.

Inmersas todavía en los coletazos de las discusiones de los últimos tiempos sobre la museología y su capacidad de reinventarse para exponer los nuevos medios, diversas instituciones se han lanzado a programar exposiciones en las que mostrar, con mayor o menor fortuna, los registros, archivos y acciones de artistas que trabajan con las expresiones artísticas más efímeras.

Con la inauguración de las muestras de Lucas Di Pascuale, Cecilia Mandrile, Romina Castiñeira y Luli Chalub el museo cordobés que alberga una importante pinacoteca local consigue un interesante tránsito entre los pintores precursores de su colección permanente y algunos de los referentes más refrescantes de la nueva generación.

El espacioso Centro Cultural de España Juan de Salazar en Asunción (Paraguay) alberga la muestra colectiva “Chaco [fabulaciones contemporáneas]”, que alude a las ficciones artísticas vinculadas con el Gran Chaco Americano, antes que a su situación geográfica, histórica y socio-política.

Es difícil de notar, pero la totalidad de la sala está cubierta por un suave toque de verde, un color apagado que se desparrama por las paredes y sumerge al espacio en una suerte de reminiscencia de ambiente natural.

Sergio Vega (Argentina, 1959) exhibe “Disassembling Paradise” (Desmontar el paraíso). Paraíso al que alude a través de dos de sus series: “Parrot Color Charts” (Carta de color papagayo) y “Shanty Nucleus After Derrida 2” (Núcleo de favela según Derrida 2).

En un periodo en el que se cuestiona desde distintos frentes la pintura como método y vigencia, no está de más que surjan voces opuestas, de alguna forma, a esas críticas.

Que la nave de Matadero, donde se lleva a cabo el programa para desarrollo de proyectos específicos “Abierto x obras”, es uno de los puntos más interesantes de la escena artística madrileña, pocos lo discuten.

Hernán Salamanco (Buenos Aires, 1974) insiste en “la pintura ante todo, (…) sobre todo”. Vida espiritual es el vibrante resultado de su convicción, desplegado en Slyzmud, galería que cumplió algo más de un año.

En Fronterizo y traslación, en galería ZavaletaLab, Mónica Girón (Argentina, 1959) reúne piezas de diversas series, que incluyen tanto volúmenes de granito gris como coloridas acuarelas sobre papel, reflejando una diferencia formal equiparada con refinamiento y afinidad conceptual.

La primera aproximación a la obra de Santiago Cárdenas (Colombia, 1937) la tuvimos en Bogotá –movidos por una nota de Galaor Carbonell.

Fabián Marcaccio (Rosario, Argentina, 1963) se ha erigido con todo merecimiento como uno de los más claros renovadores de lenguaje pictórico latinoamericano.

En el año 2006, el fotógrafo Antolín Sánchez realiza un documental sobre el trabajo de Luis Brito (Venezuela, Edo. Sucre, 1945).

Karina Peisajovich (Buenos Aires, 1966), cuyos trabajos de los últimos años se hallan ligados a sus experiencias relativas a las posibilidades perceptivas de la luz y el movimiento, presentó Totalmente, tácitamente en la galería Vasari.