Reseñas

Interesada en la compleja relación entre paraguayos y argentinos, impregnada aún por rémoras de guerra y complicidades dictatoriales (Triple Alianza, 1964-1870; Plan Cóndor), tensiones de frontera e inmigrantes ilegales, Victoria Verlichak reúne en Paraguay rapé (Camino paraguayo) a las argentinas de ascendencia paraguaya Matilde Marín y Luna Paiva y a los paraguayos Joaquín Sánchez y Ángel Yegros.

Un bloque de hielo mantiene en su sitio a una silla y una bandera. Se derrite en el transcurso de 24 horas, detonando un acto de destrucción que puede ser súbito o gradual, dependiendo de la temperatura de la habitación.

Diminutas figuras humanas engullidas por una tormenta de color y de olas evocan la fragilidad en una obra que Lilian Porter mostró en su última exposición individual en la Galería Luciana Brito, en San Pablo. Pero tal vez solamente a primera vista.

Una serie de pinturas y dibujos, apoyados en la fotografía, componen la última exposición de Marco Mojica. La mediatización de la imagen tanto en la fuente, como en el producto, continúa siendo la variable conceptual que configura en sí mismo el lenguaje formal de su propuesta artística.

Uno de los más crudos ejemplos de desplazamiento forzado en Colombia como consecuencia de la lucha territorial, es el visto en la regíón de los Montes de María, entre los departamentos litorales de Bolívar y Sucre, al norte del país, corredor estratégico para el tránsito de drogas ilegales.

En el año de 1967, José Antonio Dávila (Nueva York, 1935) viaja a varias ciudades de Estados Unidos invitado por el Departamento de Estado de ese país. A su regreso concibe un planteamiento figurativo sobre el hombre contemporáneo, a través de cabinas y salas de máquinas donde el hombre es atrapado en angustias y alienación.

La trayectoria en ascenso de Héctor Maldonado (Puerto Rico, 1972) ha logrado su primer gran espaldarazo institucional con la actual exhibición en el Museo de las Américas de un compendio abarcador de su cosecha bajo el título sugerente de Welcome Home.

Roberto Bolaño en Los detectives salvajes describió cómo los actuales real-visceralistas, o viscerrealistas, caminan hacia atrás. ¿Cómo hacia atrás? De espaldas, mirando un punto pero alejándose de él, en línea recta hacia lo desconocido.

El trabajo de Olivier Debroise, incluso sin ser exhibido, ejemplifica lo polivalente de la escritura, del ejecutante y del lector, y en el momento de mostrarse al público encadena y desencadena algo que no está por ningún lado señalado en la museografía ni en la historia; algo que tiene que ver más con el acto de abrir una nuez que con comérsela en distintas recetas.

Con Understory, muestra de collages de la argentina Nina Surel, la galería Praxis de Miami ha entrado en el otoño ofreciendo un impresionante despliegue de obras que se imponen por el gran formato y la fuerza sensorial.

En el tejido visual que se crea en Concetto spaziale, la muestra individual de Jorge Pedro Núñez (Caracas, 1976), el artista reflexiona acerca de la experiencia del arte a partir del arte mismo.

Coleccionar arte hoy en día implica un modo de diálogo entre el propio imaginario y el de las obras que se escogen como propias. Es decir, un puente hacia modos de iconografía colectiva. Patricia y Juan Ruiz Healy lo tuvieron bien claro en el primer momento que un Rufino Tamayo cayó en sus manos.

Desde el 15 de septiembre hasta el 10 de diciembre, en la Americas Society se podrá apreciar la primera exposición individual en Estados Unidos del artista brasileño Antonio Manuel (b.1947, Portugal). La muestra se centra en el rol predominante que Manuel Antonio tuvo en el desarrollo de las neovanguardias que surgieron en Río de Janeiro durante la década de 1960.

El ascensor es, en palabras de Leandro Erlich, “un objeto funcional, pero en el que la vida parece estar suspendida entre paréntesis. Voces grabadas y música pueden intervenir para aliviar las molestias del viaje, pero no podemos evitarnos en este espacio y por lo tanto experimentar la habitación Sartreana del yo. No somos nadie, no estamos en ninguna parte, no somos cualquier persona ni estamos en cualquier lugar”.

Exeunt. De salir. De irse. De escapar. Es también la declaración de intenciones del cubano Diango Hernández en su última muestra en Alexander and Bonin. Day´s End, la famosa pieza en la que Gordon Matta-Clark cortó una forma de ojo de gato en la fachada de un edificio neoyorquino puede ser la vía de escape que Hernández está buscando.

El atrio del Museum of Modern Art se ha visto inundado por una cascada etérea de sesenta pies de altura (algo más de dieciocho metros) de una finísima tela blanca, levemente ondulante por el aire y por la interacción de los espectadores y más que desarrollarse en el espacio parece querer contenerlo, fracturarlo, reinventarlo, a la vez que acumular, en él, el tiempo.

Articulada en tres partes, la exposición presenta dos nuevos grupos de trabajo. El primero, Corplegados, es una serie de dibujos de gran formato. Al igual que en trabajos anteriores como Havre-Caumartin (1999), Corplegados son la manifestación de las huellas del cuerpo mientras interactúa en situaciones específicas.

El objeto sacrificado es el nombre bajo el que Alexandre Arrechea (Trinidad, Cuba, 1970) presenta sus primeras producciones en grafito desde su periodo de formación. Tras haber pasado por el uso de varios materiales, vuelve, de cierta forma, a retomar el que es el quizá más “académico” para sorprender con nuevos conceptos.

La búsqueda de los límites de la dimensión y la investigación del espacio y sus posibilidades ocuparon durante buen tiempo los pensamientos de Matta (Santiago de Chile, 1911- Civitavecchia, Italia, 2002), interesado en estos conceptos, ya desde su formación como arquitecto, y en su aplicación a las artes plásticas.

La triste fama que persigue a Ciudad Juárez en los últimos tiempos, marcada por una realidad sociológica y económica que, aun siendo peculiar de esta ciudad, puede contemplarse en otros grandes núcleos urbanísticos mexicanos de la frontera con Estados Unidos, está presente a diario en las páginas de periódicos y ocupando minutos en los noticiarios de todo el mundo.

La siguiente conversación que mantuve con Emilio Chapela gira en torno a varias pinturas, fotografías y esculturas exhibidas en las galerías Henrique Faría y Pace/MacGill, en Nueva York.

Pensar el arte contemporáneo exige plantearse la recapitulación de ideas y conceptos. La postmodernidad ha puesto en el centro de mira el reciclaje de filosofías, posturas e inquietudes que le permiten al artista contemporáneo sumergirse de manera más realista y efectiva en el estudio de las problemáticas que componen y definen la fisonomía social de su realidad inmediata.

La vida no tiene sentido. Por eso existe el arte. Estamos condenados a insistir, a querer permanecer, a perdurar, pero lo nuestro es irnos. Lo sabemos desde pequeños: en el futuro habrá un día en el que ya no estaremos. Aunque no tiene sentido, la vida es una explosión de intensidad.

Por destrucción entiendo todos aquellos procesos que muestran lo que llamamos pérdidas. Traumas que explican en la mayoría de los casos un desarraigo completo de lo memorial, pero que inevitablemente dejan en el camino una serie de destellos recordatorios; hitos semi invisibles que evidencian la idealización de un camino recorrido.